Pride and Glory (2008) - Un policial algo genérico y trillado

El género policiaco está entre los géneros (o subgéneros) de cine que más disfruto, nunca me canso de verlos, pero también espero que cada uno se distinga del otro en aspectos interesantes como los personajes, actuaciones, giros en la historia, etc. Cuando vi el anuncio del filme del que hablo hoy, realmente sentí un ansia por verla porque sabía que sería material de calidad. La película a la que me refiero es el thriller/drama policiaco, “Pride and Glory” (Código de Familia, en México). Viniendo de un director del cual no conozco ningún trabajo, Gavin O’Connor, aún así no dudé en echarle un vistazo debido a que el libreto fue co-escrito con Joe Carnahan, director de uno de mis filmes policiacos favoritos (si no es que es mi favorito), “Narc” (Calles Peligrosas, en México). La historia de “Pride and Glory” empezó sonándome bastante cliché y familiar, y ahí empecé un poco a dudar, pero a fin de cuentas la historia nos sitúa con el Detective Ray Tierney (Edward Norton), miembro de una familia de policías multigeneracional, que incluye a su padre Francis (Jon Voight), y a su hermano mayor Francis Jr. (Noah Emmerich) y a su cuñado Jimmy Egan (Colin Farrell), quién es patrullero. Trabajando detrás de un escritorio, Ray es empujado de vuelta a las trincheras cuando 4 policías que ejercían bajo el mando de su hermano fueron asesinados en un violento tiroteo. Ray tratando de encontrar al asesino irá develando una red de corrupción que no solo involucra a su cuñado Jimmy, sino al departamento de Policía de Nueva York en general. Como mencioné a mi me gustan mucho las películas policiacas, y puedo empezar diciendo de una vez que yo disfruté “Pride and Glory” pero al mismo tiempo digo ahora mismo que esperaba un poco más, tal vez esperaba un poco más de química y explosión entre ambos actores Edward Norton y Colin Farrell, a quienes respeto y creo que tienen buenísimas películas (uno más que el otro, claro), pero creo que la combinación de talentos aquí fue dentro de lo que cabe, algo desperdiciada, ya que las actuaciones fueron un poco genéricas. Claro que Edward Norton siendo el sólido interprete que es hace lo que puede con un rol que aunque los escritores tratan de darle dimensión se siente como un héroe de caricatura, con “principio moral” escrito en la frente, simplemente no lo sentí del todo creíble. Colin Farrell dio una interpretación mediocre, siempre preocupado, fumando su cigarrillo constantemente viendo mucho hacia arriba y viéndose consternado, Farrell cumplió menos con su papel. Jon Voight si logró mantenerse a flote interpretando a un viejo orgulloso, prepotente y que siempre pone a su trabajo y su reputación encima de todo, y la verdad debo decir que me sorprendió ver al actor menos conocido de todos Noah Emmerich dando una sólida actuación con el personaje más interesante de la película creo yo, Francis Jr. quién es un policía de motivaciones algo ambiguas. O’Connor y Carnahan trataron de inyectar un poco de drama tangible en la película metiendo a fuerzas escenas que se veían dolorosamente cosidas en la historia como la inservible subtrama del personaje de Norton visitando a su esposa dejándole regalos de navidad poco antes de divorciarse, o también las interacciones del personaje de Emmerich con su esposa enferma de Cáncer. Creo que fue todo demasiado forzado algunas veces, el tono del personaje se puede establecer mediante diálogo y situaciones más sutiles como lo hizo Carnahan tan eficientemente con el personaje de Ray Liotta en “Narc”. Algo que si tiene “Pride and Glory” es una atmósfera fría, sucia y se siente bastante real, de lo que es Nueva York y sus partes menos privilegiadas, ya que no todo son luces y atracción. Debo decir que me molestó un poco como al principio O’Connor maneja una secuencia como si fuera grabada en el estilo muy de moda de “cámara en mano” ya que yo no lo esperaba y me estuvo distrayendo bastante al principio pero después fue disminuyendo y todo estuvo mejor. Quiero pensar que O’Connor lo incorporó para darle una especie de tono realista/documental a la película que sirvió ya que su atmósfera daba bastante para ello. Pero, al final de todo de lo que sufre “Pride and Glory” es del hecho de ser bastante genérica, desde su título hasta su historia, la película no hace mucho para hacerse distinguir entre las demás películas de su género, con una base narrativa muy parecida a “We Own the Night” (Dueños de la Noche, en México) con lo de la familia de policías y esos enfoques, y además retachando el tema de la corrupción vil que infecta todo el cuerpo de policía, que ha sido tratado en muchísimas otras películas, poniendo de ejemplo a “Street Kings” (Reyes de la Calle, en México) de este mismo año para no irnos muy lejos. Como mencioné anteriormente, yo disfruté “Pride and Glory” por lo que es, pero el hecho de haber visto más de un par de cintas policiacas y ser seguidor del género hace que la experiencia sea un poco menos interesante, ya que se siente muy vista y decepciona un poco que no haya sido más ambiciosa.

"Don't talk to me about the truth. You got no idea what it takes to do what we do." - Ray Tierney

Gran Torino (2008) - El auto que los une

Todos sabemos que al mismo tiempo que el genial Clint Eastwood ha sido un actor tremendo y tiene una carrera trascendental en el medio, habiendo trabajado con directores como el Italiano, Sergio Leone en los excelentes westerns conocidos como La Trilogía de los Dólares, y también dejando su marca con su personaje del implacable detective de la policía Harry “El Sucio” Callahan que tuvo varias películas, Clint Eastwood también ha sido un cineasta bastante trabajador. Últimamente, Eastwood ha dirigido películas como la tremenda historia “Mystic River” (Río Místico, en México) y la más inspiradora, pero para mí, un poco menos acertada “Million Dollar Baby” (Golpes del Destino, en México). No solo últimamente Eastwood ha dirigido sólidas cintas, sino también tiene “Unforgiven” (Los Imperdonables, en México) de 1992 y “A Perfect World” (Un Mundo Perfecto, en México) de 1993. Ya poniendo el nombre de Eastwood en contexto (aunque muchos que lean esto no lo necesitan) podemos brincarnos a la parte del año 2008, donde Eastwood lanzó dos películas de su realización, “Changeling” (El Sustituto, en México) y “Gran Torino”. Yo hablaré acerca de una de ellas. Se había dicho que Eastwood había hecho su último papel como actor en el año 2004, con “Million Dollar Baby” pero ahora 4 años más tarde podemos verlo de nuevo en pantalla en “Gran Torino”. El filme es dirigido y producido por Clint Eastwood, partiendo de un guión de Nick Schenk, de quién no conozco ningún trabajo. La historia se sitúa en Michigan, donde encontramos al gruñon veterano de la guerra Coreana, Walt Kowalski (Clint Eastwood) asistiendo al funeral de su esposa de muchísimos años. Los hijos de Walt son buenas personas, pero al mismo tiempo algo interesados y egoístas, principalmente su hijo mayor, sus nietos son irrespetuosos y traviesos. Encima de eso Walt nunca ha sido un hombre muy familiar o en contacto con sus sentimientos. El vive en un vecindario lleno de personas Asiáticas, particularmente de las llamadas Hmong, de diferentes regiones de Vietnam, y otros lugares. Naturalmente, Walt es algo racista en especial contra las personas de ojos rasgados, ya habiendo sobrevivido la guerra contra Corea. Un día su vecino, un joven Asiático llamado Thao (Bee Vang) trata de robarle a Walt desde su propia cochera, su precioso auto restaurado, un Gran Torino de 1972 en perfectas condiciones. Después de frustrar el robo, Walt se da cuenta que una de las pandillas de Asiáticos locales ha estado hostigando a Thao para que se una a ellos y el robo del Gran Torino era parte de la “iniciación”. Así, Walt renuentemente al principio empieza a relacionarse con la familia de Thao, incluyendo su hermana Sue (Ahney Her) y la cultura Asiática, también se da a la tarea de asegurarse que las pandillas dejen en paz a los indefensos, especialmente a Thao a quién Walt empieza a llevar de la mano por el camino de una vida decente y trabajadora. “Gran Torino” es una película que no carga a simple vista temas muy escabrosos como por ejemplo los tenía “Mystic River”, pero aún así el libreto logra la inclusión de debates religiosos y sobre la vida y la muerte con el personaje del Padre Janovich, interpretado correctamente por Christopher Carley, un sacerdote de 27 años recién salido del seminario que hostiga a Walt pidiéndole que vaya a confesar sus pecados porque su esposa se lo pidió como favor, antes de morir. El diálogo que escribió Nick Schenk que intercambian el personaje del Padre y Walt, creo yo que fue el más interesante de toda la película y funcionó para darle una gravedad emocional un poco más profunda que lo que simplemente vemos transcurrir en pantalla. Eastwood maneja “Gran Torino” como más que nada la relación que sostienen los dos personajes principales, que serían Walt y el joven Hmong llamado Thao, y como esa relación va cambiando y fortaleciéndose mientras pasa el tiempo, como ambos personajes van encontrando lados de si mismos que no conocían. En este caso, el título de la película es “Gran Torino” ya que este auto es pieza clave en la historia en como la relación principal entre los personajes, y la que carga la película se lleva a cabo a partir del auto. De alguna manera tenemos la noción que el filme es una especie de conmovedora historia de dos personajes encontrándose pero al mismo tiempo cimentada por un esqueleto narrativo de una historia de venganza, retribución y sangre derramada, al menos eso podemos inferir cuando vemos como Clint Eastwood se convierte en un tipo “vigilante” o “vengador” al enfrentarse sin miedo a las peligrosas pandillas de su inestable vecindario. Y hablando en serio, soy muy gran fan de las historias de venganza, pero lo que admiro de “Gran Torino” es que su historia abarca mucho más que eso, y llega a lugares que a fin de cuentas son más importantesLas actuaciones de la película son correctas, con un Clint Eastwood en plena forma interpretando a su natural esencia en pantalla de viejo cascarrabias con un gran corazón detrás de todo el enojo. Ya la sabemos. Las sorpresas aquí vienen del elenco de reparto que Bee Vang quién interpetó al joven Thao, funcionó de manera bastante natural como su personaje (a excepción de un par de escenas) y Ahney Her también fue realmente carismática como la joven Sue. Christopher Carley como ya mencionamos trajo a la película de las escenas mas interesantes. Creo yo que sería fácil para alguien tomarse “Gran Torino” bastante a la ligera a comparación de otras películas con más carga que haya dirigido Clint Eastwood, pero creo yo que esta es una historia sincera, sin mucha complicación y que funciona, sobre todo entregando un desenlace que es correcto sin ser necesariamente lo que uno esperaba o quería ver. Para no ahondar en detalles que puedan cuartear la experiencia, mejor digo que “Gran Torino” tiene muy merecido un vistazo, a mi me encantó.
"Ever notice how you come across somebody once in a while you shouldn't have messed with? That's me." - Walt Kowalski

Body of Lies (2008) - Engaño en el Medio Oriente

Ya son varias las películas que afincan su trama en el conflicto actual que hay entre Estados Unidos y el Medio Oriente, algunas son buenas, aunque tratan el asunto un poco más como película de acción como “The Kingdom” (El Reino, en México) pero sin perder nunca la seriedad de la película y algunas son más dramáticas o para ser mas tomadas en serio, por así decirlo como “Rendition” (El Sospechoso, en México) ambas del 2007. La más nueva viene de la orden del talentoso cineasta inglés Ridley Scott, con “Body of Lies” (Red de Mentiras, en México). Scott es uno de mis directores favoritos siendo el responsable de varias películas bastante sólidas como lo son los clásicos “Alien” (Alien: El Octavo Pasajero, en México) y “Blade Runner”, pero su filmografía habla por sí sola. El filme es basado en la novela homónima de David Ignatius y el libreto fue adaptado por William Monahan, ganador del Oscar por el genial guión del galardonado remake del filme Chino “Infernal Affairs” conocido como “The Departed” (Los Infiltrados, en México). El tema que trata la película me llama bastante la atención, y junto con el buen elenco y el equipo talentoso tras de ella, no dude en verla en la pantalla grande cuando se me presentó la oportunidad. El filme nos sitúa con el agente encubierto de campo de la CIA, Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) asignado al Medio Oriente para desmantelar una célula terrorista que ha causado bombardeos con alto índice de muertos en distintas partes de Europa, liderada por Al-Saleem (Alon Abutbul). Ferris responde directamente al jefe de la división del Medio Oriente en la CIA, Ed Hoffman (Russell Crowe), un burócrata a quién no le importa mucho el valor de la vida humana siempre y cuando sea bajo la impresión de que se están salvando vidas. Bajo la tutela de Hoffman, Ferris trata de infiltrar a agentes dentro de la célula terrorista colaborando con el jefe de seguridad nacional de Jordania, Hani (Mark Strong), pero al haber un poco de enemistad entre la inteligencia Jordana y la CIA, Ferris tendrá que entretejer un plan de engaños e incriminaciones para poder lograr su objetivo, aún cuando arriesgue su propia vida y la vida de los que lo rodean. El paso que tiene la película es constantemente agitado y debo darle mis respetos a Ridley Scott para mantener la tensión y la relación estrecha entre los dos personajes principales al mantenerlos la mayoría de la película en países diferentes. Claro, el personaje de DiCaprio y Crowe si comparten algunas escenas juntos pero muchas de las situaciones claves ocurren cuando DiCaprio se encuentra esquivando balas en el Medio Oriente hablando por celular con el personaje de Crowe quién se encuentra comiendo cereal en su casa o llevando sus hijos a la escuela cómodamente en Estados Unidos. El tema central en el que se basa el conflicto de la película, como su título lo sugiere es el engaño y como a veces se tienen que traicionar a los supuestos aliados y amigos en la guerra contra el terrorismo, pero creo yo que la película también sostiene la idea de que a veces el ingenio y el saber usar a las personas sirven más que la tecnología y los recursos monetarios para alcanzar un fin. “Body of Lies” contiene un par de escenas de acción bien ejecutadas como ya sabemos, Scott es bueno con la cámara y los ángulos y sabe exprimirle tensión y realismo a este tipo de escenas, siendo violento sin pasarse de la raya a lo ridículo y teniendo bastante éxito. La historia a veces puede ser un poco truculenta al seguir al perderse uno entre tantos nombres árabes y engaños tras engaños, pero al final todo cae donde debe de caer y uno esa satisfecho con su planteamiento. La cinematografía cambia entre el amarillo polvoso del Medio Oriente a un azul tranquilo, pacífico y hasta a veces deprimente en los ambientes Estadounidenses y creo yo que hicieron contraste de una manera tremenda. Hasta la estética de los personajes principales tienen una contraposición bastante acertada poniendo al personaje de DiCaprio con una barba algo crecida, vestido de manera incongruente, sucia, y malencarado y el personaje de Crowe muchas veces en bata, con su cabello corto, complexión gorda (Crowe subió unos cuantos kilos para este papel) y su aspecto burócrata impecable. Los actores hicieron su parte bien, DiCaprio como siempre en forma, y Crowe marcando ya su cuarta colaboración con Ridley Scott lo hace bien, exagerando su acento Estadounidense falso pero dando un performance odioso bastante efectivo. Mark Strong resulta siendo la sorpresa aquí teniendo igual tiempo en pantalla (o más) que el personaje de Crowe, interpretando a Hani, pieza clave en la historia y jefe de seguridad nacional Jordana, su diálogo siempre fue certero, bien escrito y dio una actuación tan acertada que hasta a veces daban escalofríos sus escenas, tremendo personaje. Al final “Body of Lies” es un thriller de espionaje bastante efectivo, aunque no tiene algo particularmente único o algo que lo haga resaltar de las otras películas que se ambientan en esta temática. Eso no dice que es una película mala, por supuesto que tiene bastantes escenas muy memorables (como la del martillo en los dedos, entre otras). Recomiendo esta película con todas las de ley, realmente vale la pena un visionado para ver sólida dirección, sólidas actuaciones y una historia bastante bien armada.

"No one is innocent in this shit." - Ed Hoffman

Saw V (2008) - La sangre se derrama, pero ¿todavía nos importa?

El cuento parece nunca acabar al pasar otro año y, como es de esperarse una nueva entrega de la muy lucrativa serie de horror, “Saw”. Éste 2008 viene la quinta parte justo a tiempo como han sido lanzadas al público desde el estreno de su muy exitosa primera parte en Octubre del 2004. Ya para mí se ha hecho una tradición ir a ver estas películas al cine aunque para ser sincero voy perdiendo el interés cada vez más en ésta ya muy cansada franquicia, pero siguiendo con la costumbre fui a ver “Saw V” (El Juego del Miedo V, en México) a la pantalla grande y realmente no salí muy emocionado que digamos. La batuta de director es pasada a David Hackl, quién fue director de segunda unidad para Darren Lynn Bousman en “Saw III” y “Saw IV” y aquí Hackl debuta como director con la quinta parte de la franquicia. No puedo criticarle mucho la dirección a Hackl, ya que emula bastante bien lo que Bousman y James Wan cimentaron bien desde la primera película, el estilo agresivo de las tomas, la edición fuerte y epiléptica, las tomas en cámara rápida que pueden volverse fastidiosas, etc. El libreto al igual que en el filme pasado, está a cargo de Patrick Melton y Marcus Dunstan, quienes también son responsables del buen filme de horror “Feast” y su horrible secuela “Feast II: Sloppy Seconds”. Sin más preámbulo, la historia de “Saw V” al igual que sus filmes predecesores continúa cuando la última película acaba recontando un poco los eventos. Jigsaw (Tobin Bell) está muerto, aunque podemos ver sus fechorías y maléficos planes a través de numerosos flashbacks. El cómplice y aprendiz encargado de continuar su trabajo es el agente del FBI, Mark Hoffman (Costas Mandylor) y él ha puesto un nuevo juego en movimiento, incluyendo a 5 nuevos jugadores dentro de un complejo de pesadilla que tendrán que trabajar juntos para poder sobrevivir las trampas de Jigsaw. Mientras tanto, el Agente del FBI, Peter Strahm (Scott Patterson) no está tan seguro de que Hoffman sea tan inocente como dice ser, ya que es el único que escapó ileso del incidente del filme pasado, así que desobedeciendo a sus superiores decide investigar si él es el cómplice del difunto Jigsaw, no importa que tan peligroso sea hacerlo. ¿Qué se puede decir sobre una película llamada “Saw V”? No mucho desgraciadamente, creo que parte de lo que hace que las secuelas sean interesantes es reinventar la rueda y agregar nuevas formulas, nuevos personajes, nuevos giros en la trama, y podríamos decir con seguridad que la franquicia en cuestión hace esto bastante bien, o al menos lo intenta. El problema creo yo es que esta serie de películas ha afincado su atracción en (además de sangre, gore y escenas de tortura) el hecho de que sus finales son giros que no te esperas y por eso cada vez subimos el estándar para algo más y más interesante y sorprendente. Por eso mismo tiene que haber un momento en que decepcione. Para mí, “Saw V” es la película más aburrida de la serie y con el giro final más esperado y soso, yo he sido bastante tolerante con estas películas al dejar pasar su montón de incoherencias y facilidades con las que ocurren ciertas cosas en su historia solo para mantenerla andando, pero creo que a veces es demasiado, especialmente cuando el llamado payoff final no es nada interesante. Para mí, todos los finales de las películas de “Saw” han sido emocionantes y me dejan enganchado como espectador (en mayor o menor manera) a ver la película que sigue, incluso el final de “Saw IV” del año pasado, creo que fue uno de los finales menos esperados y dentro de lo que cabe, mejor construido en términos de concordancia con los hechos (aunque estoy seguro que también tiene una o dos contradicciones), pero en fín, la película funcionó para mí. En “Saw V”, Hackl hace lo que puede para mantener el ritmo y el suspenso pero simplemente el peso de la historia recae demasiado en detalles de filmes pasados y recuentos y sospechas que nos empiezan a cansar como audiencia y la verdad, como ya mencioné, el giro final en su trama no nos dice nada, no nos deja nada, no nos engancha para la inevitable “Saw VI”. El filme en sí, tampoco es tan violento (creo yo) como algunos de sus predecesores, no tiene tanto impacto como mucha escenas de las películas anteriores como el pozo de jeringas en “Saw II”, o la cirugía de Jigsaw en “Saw III”. Aquí, “Saw V” se enfoca en tratar de mantener las cosas frescas con nuevas trampas que resultan siendo ya algo aburridas, comenzando con la primera con la que abre la película, que involucra un péndulo con una cuchilla y una máquina para destruirte tus propias manos. Las actuaciones son normales para este tipo de películas, Costas Mandylor hace su mejor esfuerzo para verse amenazante, y a veces no tiene mucho éxito. Scott Patterson aplica el “policía valiente y rebelde” y funciona hasta cierto punto, Julie Benz aquí es la “chica principal” en problemas y hace lo que puede, y el talentoso Carlo Rota tiene un rol muy reducido aquí, yo esperaba que fuera un poco más larga su aparición, y claro el grandioso Tobin Bell con cada vez menos participación en pantalla. En mi opinión, “Saw V” muestra más que nunca como la franquicia se va extinguiendo ya que su combustible se acabó, las trampas ya no impactan, los personajes dejaron de importar hace mucho, y el personaje clave de Jigsaw apareciendo solo a través de flashbacks y con cada vez menos participación en la historia. En lo personal, a mi me da igual si “Saw VI” ocurre o no, yo creo que si, pero no la espero, ni me interesa ver como concluye o continua esta historia. A estas alturas, creo que a muchos ya nos han perdido.
"Murder is distasteful" - Jigsaw

Quantum of Solace (2008) - James Bond, rebelde con causa

Como hemos visto con ya algunas series fílmicas, a veces en vez de optar por hacer una secuela más, el personaje se “reinventa” y se “relanza” es como presionar el botón de “reset” en la franquicia de cierto personaje. Ocurrió con Batman en el 2005 con “Batman Begins” (Batman Inicia, en México), y con Hulk éste 2008 con “The Incredbile Hulk” (Hulk: El Hombre Increíble, en México). Lo mismo le pasó al famosísimo agente secreto Británico, James Bond en el 2006 con la genial cinta “Casino Royale”. El filme retrata el ascenso del personaje de Bond a ser agente 00, convirtiéndose así en el mítico 007, pero lo interesante que hizo “Casino Royale” es que precisamente desmitificó a James Bond y lo hizo más un humano de carne y hueso que sangra, suda, se despeina, se ensucia y siente dolor y hasta remordimiento. La película puso al personaje en una faceta muy interesante y creo que por eso es la más exitosa (monetariamente hablando) de toda la serie, y creo yo que es la mejor en cuestión de calidad. Ahora, en el 2008, por primera vez en la historia de las películas de Bond, tenemos una secuela directa del filme pasado, con “Quantum of Solace” (007 Quantum, en México). Aquí, el filme comienza momentos después del desenlace de “Casino Royale” continuando la historia que ya conocemos, al mismo tiempo presentándonos nuevos personajes. El filme es dirigido por el cineasta nacido en Alemania, pero criado en Suecia, Marc Forster, que no sonaría como una opción lógica para el filme ya que Forster no es un director con experiencia en acción como algunos otros directores de filmes pasados. Forster es responsable de sólidos dramas como “Monster’s Ball” (El Pasado nos Condena, en México) y “Finding Neverland” (Descubriendo el País de Nunca Jamás, en México). Con éste director “Quantum of Solace” tiene una carga emocional mejor manejada en su historia (aunque nunca al nivel que Martin Campbell manejó en “Casino Royale”). El filme es escrito por el ganador del Oscar, Paul Haggis junto con los escritores habituales de la serie Neal Purvis y Robert Wade, tomando el particular título del filme de una de las historias cortas de Ian Fleming más desconocidas y que realmente ni siquiera es una historia de espionaje ni nada parecido a la película.La película nos trae de vuelta con el agente 007, James Bond (Daniel Craig) que obsesionado con encontrar al responsable de la muerte de su amor pasado Vesper Lynd, empieza a desobedecer las órdenes de su superiora M (Judi Dench). Bond, pronto se topa con una bella mujer Boliviana llamada Camille (Olga Kurylenko), quién conecta a Bond con el empresario ambientalista Dominic Greene (Mathieu Amalric) un altruista aparentemente inofensivo pero miembro de una organización criminal supersecreta llamada Quantum. Greene, asociado con el General Medrano (Joaquin Cosio), un dictador Boliviano planea apoyar su golpe de estado para que tome el poder ahí, pero con la condición de que lo deje manejar el 60% de la reserva de agua del país. Ahora, Bond con la ayuda de Camille van tras Greene, ya que ambos tienen intereses más allá de simplemente detenerlo.Mucho se ha hablado de cómo la franquicia de 007 se aleja de la mismísima esencia del personaje de James Bond, quitándole todo lo que lo hace pues… James Bond. En parte es cierto, podemos ver como en “Casino Royale” muchas cosas que son estampa de la franquicia están perdidas, y aún más en “Quantum of Solace”, como por ejemplo el tema musical de James Bond no suena hasta que los créditos finales empiezan a rodar. La línea “Bond, James Bond” nunca es dicha, al igual que la línea del martini “shaken, not stirred” tampoco se encuentra. Bond tiene menos artefactos aquí que en “Casino Royale” y eso es decir mucho, (no hay relojes con láser, anillos que cortan vidrio, autos invisibles, etc.), el villano aquí no es nada más que un empresario malévolo, sin ninguna deformación física o indumentaria llamativa. Y como mencioné el mismo personaje del 007 es mucho menos caricaturesco que antes, claro que a mí me gusta el James Bond que seduce muchísimas mujeres, mata villanos y dice líneas “graciosas” vergonzosamente malas, antagonistas que quieren conquistar el mundo, etc. etc. pero creo que es saludable para cualquier serie de películas que se vaya reinventando a si misma, y lo que le pasó a James Bond en el 2006 fue una muy buena bocanada de aire fresco. Con Daniel Craig tomando las riendas del personaje agregándole una frialdad, emoción y rudeza que le vino muy bien al personaje. El filme abre con una explosiva escena de acción seguida por una secuencia de títulos bastante bien diseñada al ritmo del tema del filme Another Way to Die intepretado por Jack White y Alicia Keys, que aunque suena muy diferente tiene el suficiente sonido Bond para estar en la película. En “Quantum of Solace” tenemos escenas de acción frenéticamente filmadas y bastante fantasiosas claro está, pero nunca al nivel de algunos filmes pasados de la serie. Las escenas son bien coordinadas y emocionantes y hasta cierto punto evocan una familiaridad a la trilogía de Jason Bourne, particularmente al último filme, “The Bourne Ultimatum” (Bourne: El Ultimátum, en México), pero que no venga raro ya que Dan Bradley es el director de segunda unidad en “Quantum of Solace” y fue el coordinador de acción en la trilogía Bourne así que las escenas se sienten del mismo tipo. No digo que sea algo malo, sino que a veces te las recuerda tal vez demasiado. La acción como dije frenéticamente filmada funciona aunque a veces la edición se sienta algo apresurada y demasiado rápida, muchos cortes violentos y planos muy cerrados hacen difícil el descifrar lo que está pasando en algunos momentos de las persecuciones. Pero aún así la acción es ágil, y plaga la mayoría de la película que en parte va ligada con uno de sus fallas, “Quantum of Solace” es la película oficial de James Bond más corta de todas contando solamente con 106 minutos de metraje, algo irónico tomando en cuenta que “Casino Royale” su predecesora es la más larga de todas con 144 minutos. No digo que “Quantum…” debería haber durado tanto sino que la falta de metraje y tanto de éste dedicado a persecuciones y peleas, dejan un poco la narrativa por el lado dejando algunas escenas sin un cierre necesario, así que a veces es difícil contextualizar todo. No creo que nadie tenga problemas para seguir la trama del filme, solo digo que los personajes y los diálogos funcionan mejor cuando no se sienten tan apresurados como ocurren aquí, por ejemplo a mi me hubiera gustado que se expandieran más en los personajes del General Medrano y la sensual Fields.La actuación fue satisfactoria, como dije Daniel Craig entregándole al personaje ese filo necesario, genial. Olga Kurylenko interpretando a la sensual femme fatale en turno como la mitad Rusa, mitad Boliviana, Camille, creo que lo hizo bien. Mathieu Amalric fue un villano memorable al ser uno bastante diferente a los pasados, haciéndolo un tipo real, ambicioso, calculador y cruel definitivamente él estuvo en unas de las mejores escenas del filme. Giancarlo Giannini regresa a interpretar a Rene Mathis con una naturalidad espléndida que lo hace uno de los personajes más interesantes, al igual que Felix Leiter interpretado de nuevo por Jeffrey Wright siempre misterioso, ojalá que continúe siendo un personaje recurrente en la serie de Bond. Joaquin Cosio fue lo suficiente siniestro como el General Medrano y Gemma Arterton fue genial en su reducido tiempo como Fields. “Quantum of Solace” no es una película perfecta, y más que su predecesora se deslinda de las ya estipuladas reglas de las películas de James Bond, pero más que verlo como algo malo a mi se me figura que abre el rango de posibilidades en la franquicia a niveles mucho más interesantes y emocionantes, definitivamente vale la pena echarle un vistazo, una buena historia muy actual, acción a montones y una sólida dirección. Ya espero la próxima aventura del agente 007.
"I don't think the dead care about vengeance" - James Bond

Max Payne (2008) - La dolorosa sed de justicia

Sabemos que en el ámbito del cine las adaptaciones y remakes están a la orden del día, y sabemos que más que productos originales, nos vienen más y más secuelas, precuelas, remakes, y adaptaciones de muchísimas cosas. Las adaptaciones de comics últimamente se han logrado redimir por así decirlo, ya que sin ser muy tomadas en cuenta en el pasado han podido deslindarse de ese estigma con adaptaciones bien hechas y bien actuadas. El grupo de películas que es un blanco fácil para la crítica es el de adaptaciones de videojuegos. Pocas han sido bien aceptadas y la gran mayoría ha sido golpeada fuertísimo por los críticos, y muchas con justa razón aunque algunas a pesar de ser entretenidas y simples películas para pasar el rato han sufrido mucho al ser masacradas completamente debido a asuntos en cuanto a la fidelidad del material original, enfoque, etc. Eso no significa que no se sigan produciendo. Aquí es cuando entra la película en cuestión, “Max Payne”. El filme se estrenó hace un par de semanas en pantallas Mexicanas, y aunque había escuchado algunas cosas no muy favorables decidí echarle un vistazo. En escrito, el filme tiene elementos que me llaman la atención, ambientación de thriller policiaco, un hombre consumido por la venganza por mencionar un par. La película es basada en el juego de video lanzado en el 2001, dirigida por John Moore, el Irlandés responsable de dos remakes, la mediocre “Flight of the Phoenix” (El Vuelo del Fénix, en México) y “The Omen” (La Profecía, en México) que aunque básicamente opera como un calco de la original, la dirección, cinematografía y actuación se me hizo más que correcta. Aún así, Moore no figura en mi mente como un director del todo talentoso o notorio, así que no sabía que esperar de “Max Payne”. Escrita por el guionista novato Beau Thorne, la película mezcla varios escenarios medio raros con un thriller policiaco entre film noir y otra cosa.El filme nos presenta al detective de Nueva York, Max Payne (Mark Wahlberg) torturado ya durante tres años por el asesinato sin resolver de su esposa e hijo bebé. Payne trabaja ahora detrás de un escritorio, pero de noche guarda su escudo policial en su bolsillo de la chaqueta para patrullar las calles buscando aún al asesino de su familia. Payne se encuentra con Natasha Sax (Olga Kurylenko) una seductora mujer quién es brutalmente asesinada momentos después de que Payne trata de cuestionarla sobre el asesino de su familia. Pronto, Payne es implicado con el asesinato de Natasha, mientras su hermana Mona (Mila Kunis) lo busca para ajustar cuentas. Pronto Payne al encontrarse más y más cerca de la verdad, se topará con una peligrosa banda adicta a una droga alucinógena llamada Valkyr, liderada por el agresivo Jack Lupino (Amaury Nolasco).Como decía antes, “Max Payne” tenía la receta para ser toda una gran película, pero al parecer muchos fans del juego y gente en general se disgustaron un poco ante la muy notoria falta de acción en la película. “Max Payne” comienza sin mucho golpe explosivo, presentándonos a su personaje principal que ha encerrado su vida dentro de su dolor y no hay nada más que un solo objetivo en ella. Más que conducirse como una cinta de acción, “Max Payne” es un thriller policiaco muy bien filmado y claro, con sus ocasionales tiroteos, pero no es el enfoque principal en la historia. Y creo yo que el director John Moore y el guionista Beau Thorne fallaron ahí, no porque el filme sea necesariamente malo sino porque para hacer esto no debieron usar un nombre como “Max Payne” para una película de éste corte. Tal vez si le hubieran cambiado el nombre al personaje principal y maquillaran un poco la historia se hubieran podido salir con la suya en lanzarla bajo otro título y con un libreto “original” pero sabemos que las letras del título de la película es lo que venderá boletos en el cine. Pasando un poco el hecho de su falta de acción, “Max Payne” es un thriller policiaco que porta muchos clichés, ya hemos visto este tipo de cosas en muchísimos otros filmes policiacos y también en películas de venganza como en “The Punisher” (El Castigador, en México), y algunas otras pero aún así, ¿que filme policiaco no porta uno o dos de estos momentos en su historia que ya se nos hacen muy familiares?. “Max Payne” es víctima del propio género en el que se encaja, deslindándose de ser simplemente “una película de acción” y tratando de ser más seria que eso, tal vez su más grande falla está en su ambición, pero en éste caso siento que más que criticarla debo de darle mis cumplidos al director John Moore por tratar de hacer algo un poco diferente a lo que todos esperábamos. Y aquí van incluidas las escenas de “visiones” que tienen algunos personajes después de ingerir la droga Valkyr, donde ven una especie de híbridos entre ángeles y demonios que creen que los atacan. Éstas escenas se mostraron en los trailers y en uno de los posters del filme, creo yo causando un poco de confusión entre la gente haciéndolos creer que iban a ver algo en la vena de “Constantine”. La musicalización corre a cargo de Marco Beltrami, ya experimentado en sólidas películas y la cinematografía que creo yo funciona bastante bien es de Jonathan Sela responsable del remake de “The Omen” y “The Midnight Meat Train”, dos filmes con un aspecto muy interesante.Las actuaciones son variadas, tenemos a Mark Wahlberg que hasta cierto punto logra sacar el personaje de Max Payne de una manera no risible, pero tampoco lo suficientemente seria, aún así sabemos que su actuación en “The Happening” (El Fin de los Tiempos, en México) es de las peores de su carrera. Aquí, Wahlberg interpreta a un Max Payne algo rígido pero tomando en cuenta el personaje tal vez no sea tan malo. Mila Kunis se ve ridícula como la femme fatale, Mona Sax. Suficiente. Beau Bridges a quién hace tiempo no veía en pantalla vuelve aquí y su maneja su personaje bien. Tenemos al rapero Chris “Ludacris” Bridges interpretando a un agente de Asuntos Internos, y honestamente nunca pude digerir a Ludacris, “move bitch get out the way” interpretando a un serio oficial de la ley. Amaury Nolasco fue bastante desechable como el villano de la película, realmente esperaba más que él. El filme tiene potencial que nunca se explota por completo, truncado por muchas actuaciones vacías, algunos clichés, falta de acción y una leve y segura clasificación Estadounidense de PG-13, “Max Payne” nunca se siente realmente cómoda con si misma, pero aún así confieso que la disfruté por sus cosas buenas... un thriller policiaco muy bien filmado, con una historia sólida y escenas bastante bien ejecutadas mucho más efectivo que otros esfuerzos parecidos como “A Man Apart” (Un Hombre Diferente, en México) protagonizada por Vin Diesel. Solo espero que el próximo esfuerzo de John Moore sobrepase todas mis expectativas. “Max Payne” es una película que aunque no me disgustó y puedo decir que si la vería de nuevo, está en cada quién saber lo que esperar del filme y poder verla en un estado de ánimo acorde a sus planteamientos.

"I don't believe in Heaven. I believe in Pain. I believe in Fear. I believe in Death." - Max Payne

Bangkok Dangerous (2008) - Clichés y aburrimiento en Bangkok

Aunque la película de la cual hablo hoy no se perfilaba para ser un gran éxito de taquilla ni nada de eso, tenía grandes ganas de verla simplemente por la premisa que me pareció interesante, al igual que su ambientación y su título original. El filme se llama “Bangkok Dangerous” (Peligro en Bangkok, en México) y es un remake del filme Tailandés del mismo título escrito y dirigido por los hermanos Danny y Oxide Pang, responsable por el filme de horror Chino “The Eye” (El Ojo, en México) y sus dos secuelas, el primer filme tuvo su remake Estadounidense, titulado en México “El Ojo del Mal”, con Jessica Alba y estrenada en cines a principios del 2008. “Bangkok Dangerous” original fue lanzada en el año 1999, y ahora como a muchísimas películas de otros países, le tocó su remake yankee estelarizado por el mismísimo Nicolas Cage y alterando un par de cosas en la trama.El filme sigue a un hombre que conocemos como Joe (Nicolas Cage), un asesino a sueldo frío, calculador, preciso e inteligente. Mediante una narración de voz en off Joe nos cuenta como éste trabajo aunque es de buena paga, no es para todos y definitivamente llega a desgastarte como persona. Después de hacer un “trabajo” en Praga, Joe vuela a Bangkok donde tiene 4 nuevos objetivos, y ahí es donde acabará su vida como asesino a sueldo, nos cuenta él. Una vez en Bangkok, Joe recluta a un joven Tailandés llamado Kong (Shahkrit Yamnarm) para que lo ayude con logísitica y otros asuntos, Joe piensa matar a Kong después de utilizarlo claro está, siguiendo la regla de los asesinos “nunca dejar rastro”. El problema es que Joe se va convirtiendo en el mentor de Kong, enseñándole defensa personal, a disparar armas, etc. al mismo tiempo que conoce a una bella sordo muda llamada Fon (Charlie Young) que parece enamorarlo a primera vista. Mientras Joe va traicionando cada una de las reglas que lo hace ser bueno en su trabajo, se ve en una encrucijada moral cuando descubre que uno de sus blancos es un aclamado político, famoso por luchar por los pobres y limpiar corrupción. Claro que si Joe no cumple con su trabajo sus empleadores mafiosos están un paso detrás de él para quitarle lo más preciado.“Bangkok Dangerous” tiene problemas de identidad creo yo, ya que maneja diferentes tipos de temáticas que no se logran mezclar del todo bien. Hasta donde yo entiendo, la película se vende en los trailers como una especie de thriller de acción, y acción es algo que carece la película. Claro, hay un par de sorpresas divertidas pero no es lo suficiente para hacer el filme del todo tolerable. La película empieza sólidamente presentándonos a Joe y viendo como llega a Bangkok pero rápidamente se bifurca en un pequeño drama desechable donde gastamos preciado tiempo en pantalla en estúpidas y ridículas escenas de él tratando de cortejar a una sordomuda que trabaja en una farmacia, y también montajes de él enseñándole a su nuevo protegido Kong, como es el mundo del asesinato a sueldo y todo ese tipo de edificantes módulos. Como mencioné, la película tiene un comienzo bien planteado y va a una velocidad bien puesta pero una vez en Bangkok la historia rápidamente se estanca y la verdad el filme empieza a aburrirnos antes de que el verdadero conflicto llegue, reiterando en la falta de acción, “Bangkok Dangerous” es carente en éste departamento y es daña muchísimo a la película porque fuera de una persecución en lancha y los tiroteos del final (que es lo más rescatable de la “acción”) el filme es puro bla bla bla, y no hubiera problema si el diálogo y la historia no estuvieran absurdamente y ridículamente planteados. Los directores Chinos, Danny y Oxide Pang vivieron en Bangkok mucho tiempo y se nota que tienen un buen sentido de la ciudad y la ambientación. La fotografía de la película pensé yo que fue efectiva y la dirección no estuvo mal, aunque las escenas de acción podrían creo yo haber estado mejor editadas y filmadas, pero en general el problema que tiene “Bangkok Dangerous” es en su historia cliché, aburrida y sus ridículos diálogos.En el sentido actoral, Nicolas Cage parece que se ha empeñado en destruir el legado de buenas películas que ha hecho con sus últimos bodrios como “Next” (El Vidente, en México), “National Treasure: Book of Secrets” (La Leyenda del Tesoro Perdido 2, en México), "The Wicker Man" (El Culto Siniestro, en México), etc. creo que es hora de que Cage haga otra “Adaptation” (El Ladrón de Orquídeas, en México) o al menos si son películas de acción que sean divertidas como “Face/Off” (Contracara, en México) o “Con Air”. Aquí, Cage interpreta a éste cruel y frío asesino a sueldo que luego vemos verlo reír como secundariano en muchas escenas ridículas que comparte con Charlie Young. Cage en piloto automático de verdad, además de su HORRIBLE elección de dejarse esa desgraciadamente grotesca cabellera que tiene en la película, la verdad no se que estaba pensando. Supongo que Shahkrit Yamnarm actuó bien, su personaje se sintió natural y con una carisma decente, Charlie Young o actua mucho aquí solo sonríe y se ve triste acorde a la situación. “Bangkok Dangerous” fue mucho potencial tirado por el caño, con una pobre ejecución de una historia que podría haber dado mucho más, y la verdad me causó algo de gracia como el filme trata de redimirse a sí mismo por sus clichés y su aburrida historia terminando con un final “fuerte” o “inesperado” pero la verdad, para el punto en que el filme está a punto de acabarse nada ni nadie te importa en la historia, su drama se cae, su historia es floja, su acción perezosa, y realmente “Bangkok Dangerous” no logra pararse como un thriller, un drama o una película de acción. Tristemente el filme falla en todos sus intentos, no es lo peor que he visto (siempre está “Next” o "The Wicker Man" también con Nicolas Cage) pero definitivamente éste filme no es nada memorable.
"My name is Joe. This is what I do." - Joe

[REC] (2007) - Documentando el horror

Aunque se estrenó en el año 2007, la película de la que hablo hoy no había llegado a pantallas Mexicanas hasta hace un par de semanas. “[REC]” es la producción Española que ha causado ruido y muchas críticas positivas alrededor del globo terráqueo que finalmente se exhibe para el público en los cines de mi ciudad. El filme es dirigido por los Españoles, Jaume Balagueró y Paco Plaza. Aunque hay un sólido número de realizadores de éste país, en lo personal solo había visto “Darkness” (La Séptima Víctima, en México) de la filmografía de Balagueró y honestamente no me pareció nada extraordinario y hasta consideré el filme algo aburrido, de Paco Plaza no me había tocado ver nada. El libreto fue escrito por el mismo Balagueró, Plaza y Luis Berdejo. La historia del filme sigue a la reportera Ángela Vidal (Manuela Velasco) quién junto a su camarógrafo Pablo (Pablo Rosso, de quién solo oímos su voz) graban un episodio del programa “Mientras Usted Duerme” en una estación de bomberos en la ciudad de Barcelona. Visto todo a través de la cámara que Pablo usa, la historia nos muestra como una noche rutinaria con los bomberos se bifurca en una horrible pesadilla cuando reciben un llamado y Ángela y Pablo, junto con los bomberos Manu (Ferran Terraza) y Alex (David Vert) llegan a un complejo de apartamentos donde los residentes se han quejado de gritos y ruidos provenientes de una de las viviendas. Pronto nos damos cuenta que una especie de infección ha convertido a una residente en una agresiva y rabiosa caníbal que contagia sus víctimas a través de la saliva al atacar a mordidas a las personas. Ahora, Ángela, Pablo, los bomberos, un par de policías y los residentes del edificio deben pelear por su sobrevivencia ya que las autoridades han sellado el acceso y salida del complejo debido a un posible brote de infección. De ahí, empieza una horrible pesadilla, como mencioné vista a través de una cámara cargada por uno de los personajes. Dado a que ya lleva bastante tiempo de haberse estrenado pude haber conseguido ver “[REC]” de alguna otra manera, pero decidí esperarme a verla en las pantallas de cine ya que a decir verdad, no me llamaba tanto la atención como esperaba, porque las pasadas películas que había visto que comparten la técnica “cámara en mano” muy a la cinema verité me han parecido bastante sosas y malas, como la reciente destrucción de Nueva York a causa de una criatura gigante “Cloverfield” (Cloverfield Monstruo, en México) que fue una ridiculez. También “Diary of the Dead” me pareció bastante decepcionante y desesperante en su realización, aunque Romero sea el experto en zombies. Remontándonos un poco más atrás en el año 1999 “The Blair Witch Project” (El Proyecto de la Bruja de Blair, en México) me pareció un absoluto aburrimiento hasta sus últimos diez minutos, más o menos. En resumen, no he tenido buenas experiencias en lo personal con las películas que son hechas con ésta técnica, creo yo que el punto de hacerlas de esta manera es transportar a la audiencia a estar allí mismo con los personajes y sentir lo que sienten, a mí nunca me pasó eso, ni tampoco sirvió para elevar la tensión. “[REC]” lo logró. Para mí, ésta es la primera película que logra exprimirle el jugo necesario a tipo de cine y lo hace de una manera bastante efectiva. Yo creo que cualquier película puede causarte que saltes unas cuantas veces, todo lo que se necesita es un ruido fuerte súbito y ahí está, pero eso no es horror verdadero, el terror verdadero es cuando no pasa nada, cuando sientes la atmósfera de perdición y desesperanza caer sobre los personajes, y sobre ti. Jaume Balagueró y Paco Plaza pudieron encontrarle un ángulo fresco al género “zombie” (aunque muchos digan que no son zombies en el sentido específico del término, y tienen razón, pero a fin de cuentas es una infección propagada por las mordidas que perpetran humanos infectados a otros humanos, así que es lo suficientemente parecido) y pudieron hacer efectiva la técnica “cámara en mano” como nunca lo había sido para mí. Me gustó mucho la historia, su enfoque y la manera en que se va revelando aunque debo decir que algunas escenas y partes de la historia fueron un poco… convenientes para el mecanismo narrativo, pero esas son cosas que perdoné fácilmente gracias a su dirección sólida, buenas actuaciones y un paso que nunca se detiene ni nos deja relajarnos ya que siempre estamos en constante alerta, nos sentimos dentro de ese complejo de apartamentos, paranoicos, vulnerables a que algún infectado salte de cualquier esquina, y desesperanzados porque las autoridades no dejan salir a nadie del edificio.Manuela Velasco quién es nuestra personaje principal, la reportera Ángela Vidal además de ser bastante atractiva lo logra bien al verse natural y realmente afectada por la situación que ocurre. Al igual el resto del elenco, como Ferran Terraza que se pone los zapatos del héroe por así decirlo en la película, funciona bastante bien. Sinceramente me alegro de no haber tenido grandes expectativas de “[REC]” y de haber por eso mismo, esperado a que se estrenara en la pantalla grande porque sin duda es mucho más disfrutable así, una de las mejores películas de terror de los últimos años y definitivamente la recomiendo a cualquiera que desee pasar un rato en una densa atmósfera de terror, desesperación y claro, simple entretenimiento.
"Pablo, grábalo todo. Por tu puta madre." - Ángela Vidal

Trailer Park of Terror (2008) - Zombies redneck al ataque

No hace muchos días me enteré de la existencia de la película de la que hablo hoy. Vi el trailer y leí un poco sobre ella y decidí que sería buena idea agregarla a éste escaso “especial de Halloween”, jeje. La película en cuestión se llama “Trailer Park of Terror” y la pura crudeza ridícula del título me dio un olor a serie B interesante y no dudé mucho en echarle un vistazo. La película sonaba y se veía entre una producción independiente tratando de ser tomada en serio y una película grotesca y sin muchas trabas como las producidas por Troma Films. Pero es difícil tratar de encasillar a “Trailer Park of Terror”. Comenzando por el hecho que está basada en un cómic del mismo título, (el cual yo no conocía hasta que oí sobre la película) impreso por la compañía Imperium Comics, que va mucho en la misma vena que por ejemplo los antiguos cuentos de antología de “Creepshow” y “Tales from the Crypt” ya que en “Trailer Park of Terror” las historias de horror son contadas por una anfitriona llamada Norma, una atractiva chica redneck que al parecer lleva bastante tiempo muerta ya que tiene que retocarse su horrible cara zombie para seguir pareciendo una persona viva con atracito físico. La película no es una antología, es una sola historia partiendo de la mitología de su personaje principal, Norma, la zombie redneck asesina. El filme es dirigido por Steven Goldman de quién nunca he visto nada y el libreto corre por la cuenta de Timothy Dolan, quién escribió un par de adaptaciones directas al video en el 2004 y en el 2002 de “Red Riding Hood” (Caperucita Roja, en México) y “Hansel & Gretel” respectivamente. Así que éste es el primer filme “adulto” (por así decirlo) que escribe Dolan. La historia de “Trailer Park of Terror” nos cuenta como una sexy chica campirana llamada Norma (Nichole Hiltz) viviendo en un parque de trailer homes, o casas rodantes, en algún lugar olvidado del mundo en un estado sureño en Estados Unidos. Después de haber tenido una horrible vida y ser maltratada por sus vulgares vecinos es aproximada por un misterioso hombre (Trace Adkins) quién obviamente representa a Satanás aunque nunca nos lo dicen. Ella hace un pacto con él, para poder vengarse de los que le hicieron mal y así ella asesina a todo su “vecindario”. Un par de décadas después, un grupo de rehabilitación juvenil dirigido por el Pastor Lewis (Matthew Del Negro) y conformado por Alex (Ryan Carnes), Bridget (Jeanette Brox), Michael (Ricky Mabe), etc. choca en su camión para quedarse varados en medio de la nada cerca del trailer park maldito, donde ahora habitan Norma, aún luciendo radiante y provocadora aunque esconde un gran secreto, es una zombie homicida que lidera una banda de rednecks zombies. Si la historia no es lo suficientemente obvia como para gritar “comedia de horror” no se que lo es. Obviamente la película no trató de tomarse a si mismo muy en serio pero hasta cierto punto lo hace, que para mí, es el generador de sus muy marcadas fallas. Steven Goldman nos mete de lleno a la historia de origen de nuestra villana principal introduciendo un par de guiños a los fans del horror de la misma manera que presenta el título de la película, muy bien hecho. Después de alguna forma me mantuvo observando interesado mientras nos presenta la manera en que la inocente chica campirana se convierte en una asesina a sangre fría después de haber sufrida una gran pérdida. Hasta ahí todo bien, pero después que nos muestran las inevitables fotos de recortes de periódicos mostrando cuantas personas han desaparecido alrededor del área en cuestión, es cuando brincamos al presente y nos empiezan a presentar a nuestros personajes carne de cañón. Obviamente todos son puro estereotipo aunado con actuaciones bastante malas. Tenemos a la chica gótica, darketa rebelde, al deportista abusivo, al geek que es pisoteado por todos, la chica fácil pareja del abusivo, etc. y por supuesto que no nos importa absolutamente nada de lo que tengan que decir, hacer o si van a morir o no. El filme en sí no es tan sucio como pretende ser por sus ángulos, sus aproximaciones y su temática, ya que si porta una cantidad suficiente de gore y sangre pero no es como que “hace ver a Hostel y Saw como películas de Disney” como falsamente presume en el anuncio del DVD, y otra cosa que me molesta mucho en películas de horror y especialmente de bajo presupuesto es que muestren escenas de sexo o eróticas y que no muestren los atributos de las actrices, lo digo porque para mí es como tratar de hacer la película más “atrevida” (al menos en el caso de este tipo de cintas) y no atreverse de manera completa, si no muestran, omitan esas escenas ya que a fin de cuentas no dejan nada de todas maneras. “Trailer Park of Terror” dura bastante en comenzar con el “terror” ya que su planteamiento va salteando entre flashbacks a los 80’s y el presente con nuestra historia de muchachos preparatorianos perdidos y la verdad, se vuelve un poco tedioso, uno ya empieza a desear que empiecen a matar personas para ponerle algo de acción. El guión de “Trailer Park of Terror” mezcla elementos interesantes entre “The Texas Chainsaw Massacre” (Masacre en Texas, en México), “House of 1,000 Corpses” (La Casa de los Mil Cuerpos, en México), “2000 Maniacs” y otros filmes de horror pero todo resulta siendo un poco ridículo y no muy divertido. Tenemos un zombie que toca la guitarra eléctrica y canta en el techo de un trailer home, y también una riña entre autos tipo demolition derby entre una de nuestras “heroínas” y los no-muertos que la verdad no venía nada al caso. Terminando con un final hilarantemente ridículo no por ser descabellado ya que las leyes de la realidad fueron lanzadas por la ventana hace mucho tiempo sino por lo ridículamente moralista y estúpido que intenta ser. En fín, “Trailer Park of Terror” pretende ser mucho y abarcar mucho y termina no apretando de ningún frente, ni en su comedia que no causa risa en lo absoluto, en su nivel de película de horror que no funciona del todo por lo ridículo que es, ni tampoco en sus actuaciones que son lideradas por Nichole Hiltz quién parece intentar con muchísimo esfuerzo emular la actuación de Jaime Pressly en el programa “My Name is Earl” (Mi Nombre es Earl, en México). El filme termina siendo un pseudo entretenimiento muy pero muy leve que uno olvida minutos después de que los créditos ruedan, la verdad sería mejor buscar algo más.

"You make my south rise again" - Marv

Feast II: Sloppy Seconds (2008) - Una secuela monstruousamente mala

Las secuelas directas al formato casero son casi un género en sí mismas, se pueden identificar muchas características particulares en ellas y la mayoría de las veces suelen ser bastante inferiores a sus películas predecesoras. Hoy hablo sobre la secuela directa al formato casero, de una película que salió directa al formato casero. Hablo de “Feast” , una producción independiente de horror del año 2005, cuya filmación fue documentada y televisada como parte del reality show, “Project Greenlight”. En fín, el filme fue mostrado en algunos festivales y ese tipo de eventos y luego fue disparado en el mercado Estadounidense en DVD. Cuando la vi, realmente me gustó, su director John Gulager y los escritores del guión Marcus Dunstan y Patrick Melton (quienes después serían encargados de escribir “Saw IV” y “Saw V”) consiguieron hacer con un presupuesto algo limitado una película con un aspecto sólido de producción decente, con una historia loca pero interesante que juega con los clichés y las convenciones del género además de con la llamada political correctness, mostrando cosas que uno no espera en una película, aún cuando ésta trata de monstruos caníbales. Ahora, su secuela “Feast II: Sloppy Seconds” sale en DVD bajo la bandera de Dimension Extreme encargada de sacar al mercado filmes de horror independientes y de bajo presupuesto. Dirigida de nuevo por John Gulager, y de nuevo escrita por Dunstan y Melton, “Feast II” es secuela directa (o al menos intenta serlo) del filme del 2005. Nos encontramos con Biker Queen (Diane Goldner) hermana gemela de la mujer ruda motociclista que murió en la primera película, Harley Mom. Al día siguiente de los hechos de la primera película ella busca en los restos de la incediada “Bear Tavern” a su hermana, solo encontrando a Bartender o Cantinero (Clu Gulager) a quién vimos morir (o al menos eso pensabamos) con una gran cortada en el cuello que bombeaba sangre a galones. Aquí, Bartender parece estar bien simplemente al haber amarrado un pañuelo alrededor de su cuello pero continuando… ellos van al pueblo donde se encuentran con la pandilla motociclista de Biker Queen, y eventualmente con la sobreviviente de la primera película Honey Pie (Jenny Wade) quién traicionó a sus amigos y se escapó en un trailer repartidor de cerveza dejando a los demás a defenderse solos atrapados dentro de la taberna. Después de encontrarse con nuevos sobrevivientes en el pueblo, como Slasher (Carl Anthony Payne II) un vendedor de autos y Thunder (Martin Klebba) un enano luchador de Lucha Libre, tendrán que mantenerse unidos para poder sobrevivir y derrotar a los hostiles monstruos con un gran apetito por carne humana que rondan las calles del pueblo. “Feast II” parecía hacer un gran esfuerzo por decirme que no iba a ser una película a la par con su divertida predecesora, es más ni siquiera una película decente en sus propios méritos. Desde que vemos como los personajes de Diane Goldner (pareja del director John Gulager) y Clu Gulager (padre del director) son traídos de vuelta bajo circunstancias hilarantemente estúpidas solo porque son conocidos del director, no me sonó muy bien. Después el metraje avanza mostrándonos situación tras situación estúpida, mal planteada, mal ejecutada, ridícula, sin sentido, etc. John Gulager en la primera película, como mencioné, juega con clichés y los voltea de cabeza para mostrarnos giros en la historia y decisiones de personajes que no esperabamos y realmente admiré eso de la primera cinta, pero aquí Gulager simplemente parece obsesionado en decirnos que está haciendo una película que trata tabúes, es asquerosa, y al parecer no tiene ningún otro propósito (ni siquiera entretener) más que asegurarse que estamos siendo asqueados y sorprendidos por lo que estamos viendo. El libreto de Patrick Melton y Marcus Dunstan sustenta esto sin ponerle atención a ningún detalle importante como la construcción de personajes interesantes, que simpaticen con la audiencia y que sean cool como Bozo interpretado por Balthazar Getty (en la primera cinta). Aquí, los escritores simplemente se empeñan en escribir un libreto de pegostes de escenas idiotas junto con escenas grotescas a veces mezclándolas sin obtener ningún sentido de narrativa ni entretenimiento. Toda esa secuencia en la película, donde nuestros personajes “hacen una autopsia” a una de estas criaturas está completamente fuera de contexto y solamente está ahí para poder mostrar cosas asquerosas. “Feast II” me aburrió y me molestó casi al punto de parar la película y dedicarme a otra cosa más entretenida como organizar mi cajón de calcetines, pero decidí que sería mas importante informar sobre lo abismalmente mala que es esta película, secuela a un pequeño filme de horror relativamente bien hecho y muy entretenido. Dejando claro que la historia de “Feast II” no es nada más que un detallado accidente de autos que de manera sensacionalista quiere mantenerte viendo no porque sea interesante sino por morbo, podemos hablar de sus aspectos técnicos. Una de las cosas que me gustaron de la primera película es que tiene una fotografía bien hecha, el filme se ve y se siente como una producción decente, con un presupuesto bueno y nunca tiene la esencia de una baratija directa al DVD, y lo que pasa con “Feast II” es totalmente lo contrario. Con una fotografía sosa y demasiado iluminada y con colores aburridos y demasiado ordinarios, el filme también tiene el descaro de mostrar en algunas escenas efectos CGI que son dolorosamente malos, sus efectos prácticos y gore ni siquiera son tan buenos ya que solo se ve sangre y las vísceras se ven falsas y plásticas al igual que los trajes de sus monstruos, mientras que las criaturas se escondían en las sombras en la primera película, y se podía el director escudar en el hecho de que nuestros personajes estaban asilados y por eso veíamos solo partes de las criaturas a través de sus ojos, en “Feast II” las bestias rondan el pueblo a su antojo y durante la luz del día, así que la cámara engañosa que casi no muestra a las criaturas tiende a ponerse un poco fastidiante después de un rato, y aún cuando nos muestran a las criaturas se ven falsas, y no convencen, ni siquiera se ven falsas de una manera serie B interesante, simplemente se ven mal. Las actuaciones son bastante malas de parte de la gran mayoría del elenco, Clu Gulager logró mantener la esencia de su personaje supongo, el resto fue lastimoso, en especial menciono a Carl Anthony Payne II, quién forzosamente y sin éxito trata de ser el estereotípico personaje Afro-Americano cómico. Ninguna situación de “Feast II” ni tampoco ningún personaje nos interesa, nada ocurre, la historia se mueve estúpidamente hacia un clímax que no es ni lo más mínimo interesante porque aunque la película crea que “rompe las reglas” y es “rebelde” en mostrar criaturas con penes, escenas de vómito, eyaculación, bebés muertos, y otro tipo de cosas “fuertes” va a ser lo suficientemente interesante para entretener por arte de magia. Lástima que un equipo como John Gulager, y los escritores Patrick Melton y Marcus Dunstan que hicieron tan buen trabajo con la primera película, se creyeron demasiado su propio chiste y se las ingeniaron para crear una secuela vacía, tonta, aburrida, y simplemente grotesca en el mal sentido de la palabra. Mi honesto consejo es que ni se acerquen a “Feast II: Sloppy Seconds”, no tiene nada de bueno.

"I sure as shit seen everything now" - Bartender

The Cottage (2008) - Secuestro, risas y cadáveres

El horror Británico me ha sorprendido de vez en vez, con sólidas entradas que me vienen a la mente en este momento, de los últimos años están (no tanto de horror, pero si brutal) “Wilderness”, la electrizante cinta de hombres lobo “Dog Soldiers” (Luna Llena, en México), la tremenda horror comedy de zombies, “Shaun of the Dead” (El Desesperar de los Muertos, en México) y algunas otras efectivas. Así, le eché un vistazo a “The Cottage" (Un Oscuro Secreto, en México) un peculiar filme de horror que mezcla géneros de una manera bastante efectiva, creo yo. La película es escrita y dirigida por Paul Andrew Williams, cineasta Británico aclamado por su cinta anterior, “London to Brighton”, que no tiene que ver con el género de horror o comedia. Aquí en “The Cottage”, Williams nos cuenta una hilarante historia que se bifurca de una manera interesante a una algo cliché película slasher aunque aún así no deja de ser inmensamente divertida.Bueno, la historia de la película nos lleva con los hermanos David (Andy Serkis) y Peter (Reece Shearsmith), dos personas muy diferentes, David es duro y directo, mientras Peter es un tipo de aspecto suburbano, tranquilo y tímido, un hombre de familia. Ambos llegan a una casa de campo en las lejanías de la urbanización, y es donde nos damos cuenta que alguien más viene con ellos, una rehén llamada Tracey (Jennifer Ellison), una rubia buenota con una actitud bastante fastidiosa. David y Peter la han secuestrado para pedirle a su padre, un jefe de la mafia, que pague una jugosa suma por la vida de su hija. Después de pasar bastantes problemas a causa de su ineptitud y la de Andrew (Steven O’Donnell) el incompetente hermanastro de Tracey, quién está involucrado en el secuestro con David y Peter, ellos pierden el control de la situación. Pero de pronto se ven envueltos en una situación mucho más peligrosa cuando son acechados y perseguidos por un granjero homicida, desfigurado de la cara y muy ágil con armas cortantes.Como lo dije, el director Paul Andrew Williams sigue más o menos la fórmula aplicada por Robert Rodriguez en su fabulosa cinta “From Dusk till Dawn” (Del Crepúsculo al Amanecer, en México), esto es contar una historia que no tiene nada que ver con horror y de pronto, a la mitad del metraje, o a media hora de terminarse, bifurcarlo en una dirección completamente inesperada (si no se sabe nada del filme) y convertirlo en una historia de terror entretenida. Williams de ésta manera, al igual que Rodriguez en el filme citado, consigue que la audiencia invierta mucho más en los personajes, pasar más tiempo con ellos, y sin que se sienta como tiempo de exposición obligatorio como otros filmes lo han hecho. A propósito, “The Cottage” te dice que es una película tipo slasher al ver el trailer, pero, si no fuera por eso creo que no esperaríamos que se convirtiera en ello durante buen tiempo de su duración. Eso es lo interesante de la película, que aún cuando el “horror” no comienza, el filme es muy divertido. Williams tiene una dirección sólida, con una fotografía bien lograda capturando bien el aislamiento del campo, el frío, la noche y también apoyada por una musicalización muy efectiva que raya en lo cómico y lo exagerado para darle un tono muy mixto a la película, ya que sus diferentes tonalidades en cuanto a su género siempre son alcanzadas de una manera lograda, y nos entretienen. Sus partes cómicas son graciosas, sus pocas partes dramáticas logran ser efectivas, y su parte slasher es divertida, sucia y sangrienta con un tremendo desenlace, del tipo que a mí me gusta.Claro que todo esto es posible en parte a las sólidas actuaciones de sus dos protagonistas, Andy Serkis, famoso por darle vida al personaje de CGI, Gollum de “Lord of the Rings” (El Señor de los Anillos, en México) actúa en carne propia aquí para mostrar que puede cargar una película en sus hombros bastante bien y haciendo un personaje creíble, razonable y bien trazado. Reece Shearsmith también hace un gran papel sin rayar en lo absoluto ridículo ni tampoco demasiado sobreactuado como el debilucho Peter, nuestro temeroso personaje que nos lleva junto con él durante la película. Jennifer Ellison sin duda es una actriz muy guapa, con muchos grandes atributos jeje, pero aquí su actuación no hace nada más que fastidiar e hincharle las pelotas a la audiencia, pero en parte creo que esto era el punto de su personaje, así que lo hizo bien. Steven O’Donnell es efectivo y carismático como el supremo inútil, Andrew, y claro que hay que hacer una mención especial a David Legeno quién bajo bastante maquillaje interpreta la granjero loco quién tiene más potencial como ícono de franquicia que el muy publicitado en su tiempo, Victor Crowley del slasher decepcionantemente promedio, “Hatchet” de Adam Green. El look e historia de origen de éste personaje en “The Cottage” es mucho más interesante y en sí el personaje es más efectivo y creo yo, más amenazador. El granjero tiene un look muy copiado de Jason Voorhees en sus primeras encarnaciones, particularmente en “Friday the 13th: Part II” (Viernes 13: Parte II, en México) claro, sin el saco en la cabeza, y lo hace funcionar bien. Tal vez el hecho de que “The Cottage” se venda como una película slasher (que en esencia sí lo es, al menos a mi parecer) puede que sea contraproducente con muchas personas ya que al verla esperarán empezar a ver asesinatos rápidamente pero si uno tiene un poco de paciencia y se deja llevar por la cómica e interesante historia que el filme cuenta, se encontrará divertido y sumergido en el filme que para cuando la parte slasher de la película empiece, uno ni lo nota. En eso “The Cottage” tiene mucho éxito, mezcla géneros y narrativas de una manera muy efectiva, y logra entretener. Definitivamente recomiendo un visionado para pasar una hora y media bastante divertida, una comedia de horror con un humor negro efectivo.
"This is the worst night of my life!" - Peter

Especial de Halloween de Totally Unrated

A veces hasta yo mismo tiendo a olvidar que el género del horror es mi género de cine favorito. Tal vez sea porque hace tiempo que no me ha sorprendido del todo ninguna película (a excepción de algunas pocas que definitivamente son meritorias), o la verdad no lo se, pero siento a veces que otros géneros le van ganando terreno, por así decirlo, al género que me metió de lleno en ésta fantástica afición que es el cine. El género del horror siempre estará presente en mí, y como manera de rendirle homenaje (o algo por el estilo) decidí intentar una especie de Especial de Halloween este mes de Octubre, ya que "es el mes más terrorífico del año", anfitrión de ésta fiesta cuyo título es el mismo que mi película favorita, jeje. En fín, lo que planeo es, durante éste mes, reseñar al menos algunas cintas de horror (o al menos cercanas al horror en algún sentido) de mi propia selección, pueden ser nuevos visionados o tal vez revisitar algún título del cual me den ganas de escribir sobre él. Reitero, como es el mes de Octubre, creo que la época es más que correcta. En fín, celebremos entonces, éste mes dándole su respectivo lugar a mi género favorito.

Saludos,

Sam Loomis

Righteous Kill (2008) - Ni De Niro, ni Pacino

Creo que la mayoría de los que nos gusta el cine y también en general, consideramos a Al Pacino y Robert De Niro un par de tremendos actores (o al menos en algún momento de nuestras vidas lo hemos hecho), con tremendas cintas bajo sus veteranos cinturones de experiencia fílmica, ambos relacionados con personajes clásicos de la historia del cine como Michael y Vito Corleone, Travis Bickle y Tony Montana, entre muchísimos otros más. De verdad que fue un momento importante e interesante en el cine cuando en 1995 ambos actores aparecieron por primera vez juntos en pantalla compartiendo un par de escenas en la genial película de crimen de Michael Mann, “Heat” (Fuego contra Fuego, en México), claro ellos compartieron créditos en “The Godfather: Part II” (El Padrino: Parte II, en México) pero sus personajes habitaban diferentes líneas del tiempo así que nunca pudieron dialogar ni nada por el estilo. Pero así fue, en “Heat” dos grandes actores hicieron un ícono la famosa escena donde intercambian líneas sentados uno frente al otro en un pequeño café. Fuera del hecho de que estos dos titanes de actuaciones aparecieran en la misma película, el filme es genial, pero esa es otra historia. Ahora, en el año 2008, ambos De Niro y Pacino vuelven a encontrarse, pero ahora compartiendo tiempo en pantalla durante la mayoría del filme, en el thriller policiaco/suspenso “Righteous Kill” (Frente a Frente, en México). Dirigido por Jon Avnet, responsable del thriller desechable protagonizado por Pacino, “88 Minutes” (88 Minutos, en México) y nada más que al menos me suene conocido a mí. El libreto corre por la cuenta de Russell Gewirtz, reconocido por escribir el interesante filme de robo dirigido por Spike Lee, “Inside Man” (El Plan Perfecto, en México). Aún así, estos nombres detrás del proyecto no me convencían del todo, así que puse mi fé en el juicio de ambos grandes actores en escoger un tremendo proyecto para compartir créditos una vez más, y ésta vez, en grande. “Righteous Kill” nos presenta a dos detectives de la policía de Nueva York, veteranos, compañeros desde hace décadas, apodados Turk (Robert De Niro) y Rooster (Al Pacino) quienes están trabajando en su último caso antes de finalmente colgar la placa y la pistola y retirarse. Su caso consiste en un anónimo homicida que asesina a criminales, estos que han sido absueltos de su sentencia por corrupción en el sistema, abogados ambiciosos, tecnicismos en los juicios, etc. dicho asesino serial deja un poema con cada uno de sus cadáveres. Esto presenta un dilema ante Turk y Rooster, quienes sienten que deben de premiar a ésta persona en vez de arrestarla pero las cosas se van volviendo cada vez más siniestras mientras sus colegas detectives, Simon Perez (John Leguizamo) y Ted Riley (Donnie Wahlberg) empiezan a investigar dentro de su misma organización, sospechando que tal vez el asesino sea uno de ellos, un policía. Como dije, los nombres detrás de ésta producción no me impresionaban en lo más mínimo así que decidí ponerle la fe al hecho de que Pacino y De Niro decidieron ésta película para actuar juntos de nuevo, siento decir que me equivoqué. Tal vez cometí un gran error en idealizar demasiado la idea de estos dos grandes actores en un thriller, ¡haciéndola de policías y compañeros! Pero de todas maneras pudo decir honestamente que “Righteous Kill” es una de las películas que más me han decepcionado últimamente, es un thriller genérico en todas sus facciones, un murder-mystery que no tiene alma, no tiene peso, no nos hace sentir nada. Aún quitando el estigma de haber esperado mucho debido a la esperanza que levanto respecto a su elenco, la película sigue siendo un pequeño thriller más del montón, con actuaciones mediocres y blandas. Jon Avnet dirige como si estuviera dormido, en piloto automático intercalando las escenas que confusamente nos dan una idea de tiempo en discontinuidad, con un voice over horrendo de uno de los personajes y de vez en cuando insertando escenas de uno de los personajes hablando en frente de una cámara de video, sin mencionar también la edición cansina y aburridamente repetitiva de ambos De Niro y Pacino escupiendo frases dolorosamente mal escritas para hacerlos ver rudos y cool. Avnet de plano debería de haber ayudado al horroroso libreto de Gewirtz, inyectándole un poco más de vida en el aspecto visual, pero ya que más da. Respecto a la historia en sí, Russell Gewirtz nos lleva desde el principio de la mano a través de un thriller genérico que se cree más inteligente de lo que es, nos cree tontos como audiencia, y a pesar de eso su técnica de misdirection se nota fácil desde un principio, y todo esto nos lleva a un twist o giro de la historia que realmente no es ni muy sorprendente debido a su obviedad, ni muy interesante debido a su muy blanda simplicidad. “Righteous Kill” es una filme que carece de acción, suspenso, historia, tensión, todas las emociones o posibles intenciones de emociones están muertas desde el principio, por más que intentaba nunca logré involucrarme completamente en la historia plana, aburrida, y ya vista. Las actuaciones no son nada del otro mundo, ya hemos visto a Robert De Niro y Al Pacino interpretar más de un par de papeles que realmente no dan mucho en los últimos años de sus carreras, recordamos ese par de thrillers completamente manipulativos y desechables con De Niro, “Hide and Seek” (Mente Siniestra, en México) y “Godsend” (El Enviado del Mal, en México) y los papeles vacíos y risibles de Pacino en “Ocean’s 13” (Ahora son 13, en México) y en películas como “S1m0ne”, sin mencionar mucho más. Aquí, Robert De Niro y Al Pacino al interpretar a los detectives Turk y Rooster respectivamente, nos suena a falso, o nos suena a que ambos más que interpretar un personaje con sus propios sentimientos, emociones o su propia historia, se siente como una caricatura de ellos mismos, el intento de una carisma cool/badass que De Niro consigue haciendo su clásica mueca de Robert De Niro, y una actitud picarona y completamente fuera de tono del personaje de Al Pacino. Ambos son divertidos de ver actuar, a fin de cuentas son De Niro y Pacino, pero aún así aquí se sienten falsos, genéricos, nada interesantes. El rapero aquí fichado como Curtis Jackson, y mejor conocido como 50 Cent aparece con el tercer crédito interpretando a un ampón llamado Spider, vendedor de drogas y dueño de un club nocturno. Nada nuevo. Carla Gugino, radiante en su lujuriosa pose, también es la clásica personaje femenino por necesidad, y tenemos a John Leguizamo y Donnie Wahlberg interpretando a los policías rivales de nuestros protagonistas. De vez en cuando Brian Dennehy también asoma la cabeza con el rol del obligatorio teniente hincha-pelotas (pero aquí no tanto). “Righteous Kill” se siente como un thriller directo al video, que pasa por los estantes sin pena ni gloria, que tal vez la audiencia promedio lo vea, lo disfrute relativamente durante su metraje, y después lo olvidé antes de que se coman su cena. Tal vez no es el peor crimen del mundo, pero a mi me decepciona muchísimo, porque yo espero algo digno de recordarse con la reunión de éstos grandes, y en lo personal fue todo lo contrario. Ni De Niro, ni Pacino funcionan como quisiera, y ni De Niro, ni Pacino salvan a éste tedioso producto de ser algo más que mediocre. Viéndolo desde mi percepción muy personal, recomendaría no esperar mucho de la película, duele ver tus esperanzas estrellarse. Pero así es esto.
"Most people respect the badge. Everybody respects the gun."- Turk

Mirrors (2008) - Más fantasmas de Asia

Después de muchos dolorosos ejemplos de remakes de películas de horror (fantasmas específicamente) nos siguen llegando, y hoy hablaré del enésimo filme de horror fantasmagórico basado en una película asiática. Ésta vez le toca el turno a “Mirrors” (Espejos Siniestros, en México), un remake de la película Coreana del 2003 conocida en inglés como “Into the Mirror” (Detrás del Espejo, en México). He aprendido a no prestarles mucha atención y la verdad muchos de ellos ya ni siquiera me molesto en verlos porque fuera de “The Ring” (El Aro, en México) que no fue una impecable cinta pero si el pionero de ésta ola, y “The Grudge” (La Maldición, en México) que fue un remake mejor que su original en mi opinión, no he disfrutado mucho el resto de americanizaciones que me ha tocado ver. “Mirrors” era diferente porque carga una sólida clasificación R en Estados Unidos, a diferencia de todas las demás que son clasificadas con una más segura PG-13 que significa, no desnudos, no violencia y poco lenguaje altisonante, así que desde ese aspecto “Mirrors” tenía puntos a su favor. Pero la verdad, lo que me atrajo a averiguar que tal está la película es el equipo detrás, el cineasta Francés, Alexandre Aja. El es el director del brutal slasher en su idioma natal “Haute Tension” (El Despertar del Miedo, en México) y de uno de los mejores remakes que he visto en los últimos años, la actualización del 2006 de “The Hills Have Eyes” (El Despertar del Diablo, en México). Aja, con pocos filmes bajo su cinturón ya es conocido como miembro del nuevo clan de directores que están trayendo de vuelta el género del horror con fuerza. El libreto es de parte del mismo Aja, y su compañero Gregory Levasseur quién colaboró con él en los guiones de sus dos filmes anteriores. No sonaba del todo mal, así que decidí darle a esté remake de horror fantasmagórico asiático número mil, una oportunidad. El filme trata sobre Ben Carson (Kiefer Sutherland) un ex policía viviendo con su hermana Angela (Amy Smart), que fue expulsado de la fuerza policiaca a causa de un horrible accidente. Ben está dejando de beber y necesita conseguir un trabajo para poder convencer a su esposa Amy (Paula Patton) de aceptarlo de nuevo y así poder estar con sus dos hijos pequeños. Ben consigue trabajo como guardia en Mayflower, un antiguo centro comercial en Nueva York que se quemó hace años, trabajando el turno nocturno Ben se da cuenta que lo único que se ve limpio e impecable dentro del edificio son sus numerosos espejos, y así el va descubriendo poco a poco que algo maligno vive detrás de los espejos, ya que comienza a ver visiones de su propia muerte y gente que murió en el incendio. Ahora, Ben tendrá que resolver el misterio del porque estos espejos encierran algo raro y peligroso antes de poner en peligro su vida, y la de su familia. Ahora mismo digo que “Mirrors” no fue nada del otro mundo, la verdad, aún con talento en su creación el filme cubre las mismas aburridísimas bases que ya hemos visto hechas mejor en otras películas, cuando la moda de fantasmas asiáticos aún estaba fresca, pero ahora, parece que el filme llega más de un par de años muy tarde. Después de ver virtualmente cada película exitosa de fantasmas de manufactura asiática reciclada para audiencias norteamericanas, “Mirrors” no viene a cubrir ningún tipo de terreno inexplorado, excepto el hecho de que tal vez es más violenta y su historia baila por todos lados incluyendo posesión demoníaca, ventanas a otros mundos y una especie de criatura o zombie o demonio o algo así. Suena interesante en papel, pero créanme que en su ejecución no lo es tanto. Aja se infiltró de manera más que correcta en el sistema Hollywoodense modernizando la clásica pero algo fechada cinta de 1977 de Wes Craven, “The Hills Have Eyes” de una manera sórdida, dura, sucia, y completamente violenta y efectiva, ahora al parecer Aja trató de hacer su magia con otra vertiente poderosa en el cine de horror Estadounidense, el reciclaje de fantasmas asiáticos y aunque no puedo negar que esta película tiene un par de escenas y momentos memorables que tal vez la pongan arriba de muchas películas de la competencia, “Mirrors” sigue siendo un producto muy desechable y no muy innovador. Si el director Aja no es capaz de asustar, al menos es capaz de asombrar, producir tensión y mover una historia con velocidad e intensidad, que son detalles que fallan durante el metraje de “Mirrors”. Su libreto baila alrededor de varias ideas y nos conduce a través de un misterio de Scooby-Doo que ya hemos visto desarrollarse en muchísimas películas de éste tipo sin mostrarnos muchas escenas interesantes en el transcurso. El filme cubre las bases que sabemos que cubrirá, el filme comienza con un suceso trágico que se nos muestra como preámbulo al peligro que aguarda a nuestro protagonista, después vemos como nuestro protagonista va conociendo la amenaza, luego vemos como va descendiendo en la deseperación/locura a causa de que nadie le cree, después vamos viendo como nuestro protagonista va sacando a la luz un misterio desde hace mucho enterrado, y así sabemos que de alguna manera resolverá las cosas. Cada punto es prácticamente una obligación en éstas películas, y "Mirrors" no falla en seguirlo al pie de la letra. La violencia gráfica o el gore tienen buen nivel (la escena de la mandíbula arrancada es un tremendo ejemplo) pero aún así no se siente como que la clasificación R la separa mucho del resto de su género. Lo interesante aquí fue que el filme se aventuró a tener una clasificación más dura, y no tener a una estrella jovenaza en su papel principal. El actor veterano Kiefer Sutherland (mejor conocido como Jack Bauer, en la serie de televisión “24”) toma las riendas del filme entregando una actuación correcta más no muy diferente de la que nos da como agente federal en la conocida serie de TV. Sutherland es un actor que actúa torturado de una manera efectiva, pero sus reacciones y su manera de decir los diálogos hacen demasiado eco con su personaje más famoso. Tristemente, sabemos que Sutherland se ha encasillado en éste personaje y es bastante difícil salir de este molde... esperemos que tenga más oportunidades. Paula Patton, que no es una actriz particularmente conocida, o buena tampoco, toma el segundo crédito interpretando a la desesperada esposa del personaje de Sutherland y madre de sus dos hijos. Patton hace lo que tiene que hacer, simplemente jugar la parte de damsel in distress y no mucho más. Amy Smart, quién ha probado ser una actriz efectiva tiene un reducido y vergonzosamente desechable rol en el que pudo estar cualquier actriz de dos centavos. Que lástima haber desperdiciado a Smart de ésta manera. Jason Flemyng, actor Británico de algunas buenas películas se aparece aquí fingiendo un acento Estadounidense interpretando otro papel desechable como el amigo policía del personaje principal. El resto del elenco hizo lo que tenía que hacer. En líneas generales “Mirrors” si es un poco mejor que muchas de las películas de éste tipo que he visto, como por ejemplo la versión gringa, “The Eye” (El Ojo del Mal, en México) con Jessica Alba al frente, es un filme patéticamente aburrido y un calco vil de su original. Éste filme es mejor que eso, es más perverso, contiene un par de escenas efectivas, violencia saludable y un desenlace decente e intersante. Aún así, Aja podría haber hecho algo más llamativo, pero realmente no culpo completamente a las habilidades de Aja sino a su decisión de haber aceptado el encargo de éste proyecto, realmente siento que el terreno de remakes de películas de fantasmas asiáticos da sus últimas bocanadas de aire antes de morir por completo, porque creo que ya todos nos estamos cansando. Basta con éste tipo de remakes, el chiste ya acabó, tuvo su auge, salieron un par de películas decentes y ahí para. Esperemos que el próximo proyecto de Aja sea interesante y revindique su decisión de hacer una película tan envuelta en clichés y similitudes con filmes que parece que llegan a las pantallas de cine mensualmente. “Mirrors” puede ser entretenida una vez, pero en lo personal no creo que vuelva a verla, porque a estas alturas del juego, se que una dosis de fantasmas asiáticos es lo suficiente para un largo tiempo.

"I feel like I'm not the one looking into the mirrors, but they're looking back at me" - Ben Carson