Finalmente ha llegado el día en que vi una de las películas más esperadas de ésta década. Esperada aún antes de saber su sinopsis, su título, su elenco, etc. Claro, esperada simplemente por ser la nueva película del legendario y aclamado director James Cameron, cineasta que ha contribuido con más de un par de películas icónicas en el ámbito del cine internacional. No tenemos que recontar que James Cameron es escritor y director de “The Terminator” y su espectacular secuela, “Terminator 2: Judgment Day” (Terminator 2: El Día del Juicio, en México) y por lo tanto creador de éste universo. También, Cameron fue el responsable de dirigir y escribir otra de las llamadas “mejores secuelas de todos los tiempos” además de T2, hablo de “Aliens” (Aliens: El Regreso, en México) y también, una referencia innegable cuando se habla de la carrera de James Cameron es la última película que dirigió hasta ahora, “Titanic”, el filme que hasta la fecha sigue sosteniendo el puesto al título más taquillero en la historia. Cameron siempre ha sido un pionero en la ciencia ficción y en los efectos especiales, y su más reciente aportación al cine no pasa desapercibida. El filmes es “Avatar” un proyecto que se estuvo gestando desde 1999 cuando el presupuesto aproximado para el filme hubiera sido de 400 millones de dólares y por lo tanto ningún estudio la financiaría. Ahora ya avanzada la tecnología y con un presupuesto más costeable de alrededor de 280 millones de dólares, James Cameron filmó “Avatar” prometiendo que nos cambiaría la noción de lo que era el cine. Grandes palabras, y muy arriesgadas, pero viniendo del hombre que ha dirigido “Terminator 2” y “Aliens” existía la posibilidad que resultaran medianamente ciertas. Usando tecnología de punta Cameron uso a su película, “Avatar” como vehículo para crear efectos especiales foto reales, o más bien que no se viera la distinción entre lo que era generado por computadora y lo que era de verdad captado por la cámara. Más coloquialmente, crear imágenes computarizadas lo más tangibles y cercanas a la realidad posible. Obviamente, para explotar éste recurso “Avatar” fue estrenada y “debe de verse” en tercera dimensión, en 3D. Así que, ¿James Cameron realmente creó algo digno de la espera con “Avatar” o simplemente es un festín de efectos especiales sin ningún valor absoluto?
La historia de la película nos ambienta más o menos en el año 2154. Un marine incapacitado a una silla de ruedas llamado Jake Sully (Sam Worthington) ha sido reclutado por el gobierno Estadounidense para formar parte del programa Avatar. La operación se localiza en un distante planeta llamado Pandora, cuya flora y fauna es tan mortal como lo es bella, además de ser poblado por una raza alienígena llamada Na’vi. El punto del programa Avatar, es que Jake tendrá la oportunidad de manejar un cuerpo orgánico Na’vi por control remoto para poder infiltrarse en su tribu, ya que la razón del programa es que el gobierno Estadounidense necesita que los Na’vi se muden de donde habitan ya que se sitúan sobre un enorme yacimiento de un mineral llamado Unobtanium, que se vende por grandes cantidades de dinero en la Tierra. Ahora, bajo la vigilancia de la coordinadora del programa Avatar, la Dra. Grace Augustine (Sigourney Weaver), Jake se irá apegando más y más a su vida como Na’vi, mientras el tiempo corre y el Coronel Miles Quaritch (Stephen Lang) se pone cada vez más impaciente por resolver la operación usando lo que sabe usar mejor, las armas de fuego.
Debo decir que “Avatar” es mi primera experiencia 3D en pantallas de cine. Considerándome cinéfilo, debo decir que me apena un poco no haber experimentado éste recurso ante la pantalla grande antes, pero pues, no hay fecha que no se cumpla, finalmente lo he hecho y que bueno que lo hice por primera vez con ésta película. Al principio, debo de reconocer que con la creciente popularidad de la tercera dimensión en el cine, me sentía un poco renuente en aceptar que muchas películas se tendrán que apreciar así ya que me sentía (y aún lo hago) un poco más cómodo con la clásica 2D y sentía que la 3D era un recurso innecesario que distraería a las audiencias de la película en sí y la convertiría en un show de luces y espectáculo más que una historia que está siendo contada. Consideré ver “Avatar” en 2D, para “concentrarme más en la historia” pero terminé cayendo víctima de las palabras de todos y fui a experimentar mi primera película en 3D y la verdad no me arrepiento para nada. No solo mejoró la experiencia en cuanto a ver como “las cosas salen de la pantalla” sino que la película se apreciaba con una alta definición como yo nunca antes había tenido el placer de experimentar.
Pero bueno, ¿y la película que? “Avatar” me pareció un producto de una manufactura prácticamente impecable, creo que el tiempo que duró éste concepto en realización y dando vueltas en la cabeza de James Cameron le dio la oportunidad de tomar en cuenta cada detalle y cada minucia en términos visuales. El filme es una belleza al mirar, una ambientación tremendamente genial, una paleta de colores brillantes y vivaces que hacen una perfecta combinación en crear un mundo alienígeno completamente plausible y bien diseñado. Lo mismo con la tecnología que muestra el filme como los robots mech que tiene la película, las naves, las armas, todo estuvo visualmente genial. Pero ¿Qué tal la historia de la película? Comenzaré diciendo en éste rubro que sin duda alguna “Avatar” es un filme envolvente, que te mantiene en la historia durante sus 162 minutos de duración sin mirar el reloj una sola vez, y eso es una gran virtud para cualquier película, pero lo que también es cierto es que el filme pisa terrenos ya muy explorados con la clásica historia de “un encuentro entre dos mundos” a la “Dances with Wolves” (Danza con Lobos, en México), "The Last Samurai" (El Último Samurai, en México) , “Pocahontas”, etc. que por la misma naturaleza de su retachadísima trama, suele caer en cursilerías de vez en cuando en la historia. Pero pues, vaya, eso es parte de todo el paquete, y por supuesto es de esperarse en filmes que te quieren dar cátedra moral, antiimperialista, y ese tipo de cosas y la verdad comparado con el alto entretenimiento y asombro visual que envuelve “Avatar” éstos detallitos molestos son minucias con las que se deben de lidiar.
En cuanto a las actuaciones, “Avatar” se encuentra en muy buena condición ya que tiene un sólido elenco encabezado por el nuevo talento y rápida estrella en ascenso, Sam Worthington, el Australiano que ha estado tomando center stage en ya más de un par de películas de acción. Worthington no es particularmente expresivo, pero mantiene su personaje carismático, serio y en general se siente una persona auténtica, efectivo. Al mismo tiempo es tremendo volver a ver a Sigourney Weaver en la pantalla grande y volviendo a trabajar con Cameron, como siempre , y siendo una de mis actrices favoritas, Weaver cumple con su personaje como debe de ser. Pero la verdad, el actor que se robó el show para mí fue Stephen Lang, a quién no conocía de nombre antes de ésta película. Aquí interpretando al Coronel Quaritch, se crea un villano en potencia de esos que es un gusto odiar. Un militar duro, republicano y fuerte de convicción que prefiere morir en la línea que rendirse ante cualquiera, sin duda el personaje mejor trazado y en mi opinión el mejor desempeñado. Tenemos pequeños roles actuados con cuidado por Joel Moore, Michelle Rodriguez y Giovanni Ribisi (tremendo) que también agregan a la historia. Cabe mencionar a Zoe Saldana quién nunca aparece en carne propia, sino que actúa a través de su personaje computarizado, la Na’vi Neytiri y también hace el papel de la chica primitiva que conquista el corazón del civilizado. 
En conclusión, “Avatar” fueron 162 minutos completamente asombrosos y divertidos, y más que revolucionar el cine en todos sus aspectos me hizo saber que experimentar una película bien hecha en 3D es toda una dicha. Con sus buenas actuaciones, sus visuales tan cuidadosamente creados y su acción más que entretenida, Cameron una vez más da en el blanco trayendo una historia original (o más menos) a las pantallas y apuntándose una de las mejores películas del año.“You are not in Kansas anymore. You are on Pandora.” – Col. Miles Quaritch
El filme se ambienta en el 2006, y se centra alrededor de nuestra pareja de novios protagonista, Micah (Micah Sloat) y Katie (Katie Featherston) quienes se acaban de mudar a una nueva casa, y Micah siendo un entusiasta de la tecnología y la electrónica decide documentar su estancia en ella. No porque la casa esté embrujada o maldita ni nada por el estilo, la casa es una vivienda suburbana típica Estadounidense. La razón por la que Micah documenta su estancia en la casa y la de su novia Katie, es el hecho de que Katie ha sido “acosada” por una extraña presencia esporádicamente a través de su vida, comenzando cuando ella tenía 8 años, y recientemente parece que ha vuelto. Así, Micah coloca una cámara para vigilar lo que ocurre cuando duermen y poco a poco la pareja se verá cada vez más hostigada por una presencia demoníaca la cuál ninguno de los dos puede explicar por completo.
Cada vez que se habla de una película del género found footage o cámara en mano o como sea que le llamen, es casi imposible no referenciar a la muy mencionada “The Blair Witch Project”, así que para no batallar, le haré referencia una vez más aunque no me guste mucho hacerlo. A diferencia de “Blair Witch”, “Paranormal Activity” tiene un paso mucho más veloz, mucho más interesante y mucho menos irritante como el de dicho filme mencionado. Dentro de lo que cabe, Micah y Katie se sienten como una pareja real y sus actuaciones son bastante convincentes dado el marco en el que están siendo desarrollados los personajes. Supuestamente la mayoría del diálogo fue improvisado, ya que el director Oren Peli les explicaba las situaciones que ocurrirían en las escenas y ambos actores las desarrollaban frente a la cámara improvisando, para así agregarle un toque de autenticidad a la película. Además, el actor Mark Fredrichs, quién interpreta al Dr. Fredrich, un psíquico al cuál Katie recurre por ayuda, entrega una actuación muy natural, muy convincente y ya que su diálogo es meramente exposición a mi me pareció que lo hizo de manera más que correcta. Volviendo al tema del paso que tiene la película, “Paranormal Activity” sabe como ir subiendo la tensión exponencialmente mientras su duración avanza, dándonos primero una probadita de lo que acecha a éstos personajes para luego golpearnos con cosas más fuertes y más aterrorizantes, siempre manteniendo un nivel sutil y sugerente, (en particular, la escena de la ouija me pareció de lo mejor en la película). Aunque a veces Peli, en su afán de asustar y de sugerir de más cometió un par de errores que contradicen un poco la premisa de la película. Ya que se supone que los personajes tratan con una presencia demoníaca, no tangible, y no voy a describir las escenas pero a veces parece que la película lo trata más como un ente físico que fantasmal y/o demoníaco.
Mucho se ha hablado sobre los dos finales de ciertas maneras ampliamente diferentes que tiene la película. “Paranormal Activity” (para los que no sabían) tiene dos finales: Uno es el que se vio en el cine, y el que conoce la mayoría de las personas supongo yo, y el otro es el final original que está pegado al corte original del filme de Oren Peli. Éste final “original” llamémosle así, fue cambiado a petición de Steven Spielberg cuando “apadrinó” la película para ser distribuida en salas de cine, y entonces se usó el final que se puede ver en la versión de los cines. En lo personal, vi los dos finales y aunque no puedo decir que me inclinó un poco más en términos de calidad por uno, creo yo que puedo decir que es más “efectivo” el final que se vio en las pantallas de cine ya que cierra la película con un susto y un brinco en vez de un suspiro solemne y triste más que un susto o una emoción fuerte, como lo hace el final “original”. En fín, “Paranormal Activity” no es “la película más espeluznante de todos los tiempos” ni tampoco es un filme del todo innovador, ni super terrorífico, pero si es mucho más efectivo que la decepción que fue “The Blair Witch Project”. De todas maneras, nadie puede recomendar o no recomendar a “Paranormal Activity” ya que es una de esas películas que todo el mundo verá tarde o temprano por mera curiosidad así que, simplemente queda decir cuando y con quién. 
Recuerdo cuando oí las noticias de que iban a lanzar un remake de mi película de horror favorita, era un poco difícil estar cómodo con el hecho porque tenía la preocupación si el responsable iba a realizar un buen trabajo con el magnífico concepto creado por John Carpenter y Debra Hill a finales de los 70’s de un sádico asesino a sangre fría que podría ser el mismísimo Coco o Boogeyman, Michael Myers. Iba a ser el primer slasher icónico, de los tres principales que hay, que iba a ser relanzado para la pantalla grande, después vino Jason Voorhees con “Friday the 13th” versión 2009 y próximamente Freddy Krueger en “A Nightmare on Elm Street” 2010. En el 2007, un reinicio de la franquicia de “Halloween” fue relanzada bajo la autoría del cantante-convertido-en-cineasta-de-horror, Rob Zombie, bajo el título en México de “Halloween: El Inicio”. Claro, la estética retro-70’s y grindhouse del director funcionó muy bien para sus dos primeros ejercicios, que fueron “House of 1,000 Corpses” (La Casa de los 1,000 Cuerpos, en México) en el 2003 y su sólida secuela y más efectiva cinta, “The Devil’s Rejects” (Violencia Diabólica, en México) del 2005.Después de un primer visionado a “Halloween” versión 2007, la verdad quedé algo decepcionado, ya que aunque Zombie tocó algunas bases correctas sentí que fue un calco muy parecido a la historia original de John Carpenter.
Después de un tiempo de olvidarme de esa película, decidí darle un nuevo visionado y mi percepción cambió en gran medida, pude apreciar la película por lo que era, su estética, sus actuaciones y las diferentes aproximaciones que Zombie le dio a la historia, convirtiéndola en un mito más sucio y brutal. Claro, aún así, Zombie desenmascara por completo la leyenda de Michael Myers y trata de darle “un motivo a la locura” que hace que la historia pierda cierto misticismo. El punto es que al volverla a ver la disfruté, y mucho. Ahora, en el 2009 viene su secuela, “Halloween II” de nuevo escrita y dirigida por Rob Zombie. Mientras que en la primera película, Zombie se veía un poco restringido a seguir de cierta manera los pasos de la historia original, ahora su “Halloween II” es una historia completamente nueva, continuando al igual que “Halloween II” de 1981 justo después del final de la primera, ésta versión 2009 se bifurca hacia otras direcciones convirtiéndose en una historia de “Halloween” original. Trayendo de vuelta al elenco sobreviviente, Zombie continúa su historia de terror ahora con mucho más terreno para inyectar su visión en el legendario concepto de Michael Myers.
(Obviamente, fuertes SPOILERS para la primera “Halloween” durante toda la reseña) En “Halloween II” la historia se resume exactamente al final de la primera película, con una Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) caminando por la calle bañada en sangre y con pistola en mano, después de haber escapado de su encuentro con Michael Myers (Tyler Mane) y haberle disparado en la cabeza, (aunque no de manera muy certera), cuando la camioneta de la morgue traslada el cuerpo de Michael Myers, sufre un accidente y Michael (no tan muerto como se pensaba) escapa. La historia después se brinca un año, y nos presenta a una Laurie Strode convertida en una joven grunge, tatuada, rebelde y con muchos problemas para dormir ya que vive con la incertidumbre de que nunca se encontró el cuerpo de su supuestamente difunto agresor. Ella ahora vive con su amiga y sobreviviente del incidente de la primera película, Annie (Danielle Harris) y su padre, el Sheriff Lee Brackett (Brad Dourif). El ex psiquiatra de Michael Myers, Samuel Loomis (Malcolm McDowell) se encuentra lucrando de sus vivencias en los horrorosos asesinatos de Michael Myers al estar promocionando su nuevo libro “El Diablo camina entre nosotros”. Pero, claro Michael no está muerto, y a pocos días de su festividad favorita, el regresará a su hogar, Haddonfield, para hacer a todos éstos personajes coincidir de nuevo en una noche llena de violencia y terror.
Una vez más Rob Zombie nos trae una película ambientada en un mundo donde virtualmente todos los personajes son rockeros, rednecks o alguna variación de éstos estereotipos trailer trash. Al mismo tiempo que Zombie pinta la franquicia de “Halloween” con su estética retro-70’s y aludiendo a la cultura pop de esos tiempos (aunque la película está ambientada en los tiempos modernos), también Zombie le da un toque de realismo y una plausibilidad interesante a los eventos que se desencadenan en el filme. Esto también se dio con “Friday the 13th” versión 2009, donde los guionistas y el director intentaron desmitificar a Jason Voorhees al hacerlo un personaje mucho más digerible y creíble para audiencias modernas.Aquí, Rob Zombie hace lo suyo y fue arriesgado al mostrar a Michael Myers sin máscara por primera vez en la franquicia desde aquella vez por escasos segundos en la primera película de 1978. Además, me llamó mucho la atención como se hace alusión a que Michael Myers sobrevive todo el año viviendo como una especie de vagabundo y así pasando un poco desapercibido al ojo común. Vemos a Michael caminando usando ropa harapienta y una larga barba, pero cuando sabemos que es hora de la acción él se pone de vuelta su desgarrada y sangrienta máscara. El filme también toca el hecho que Michael se alimenta como puede (ya que en una escena del filme, Michael mata y eviscera un perro, después procede a comérselo). Éstos son detalles que la franquicia nunca le importó explorar (excepto en “Halloween: Resurrection” donde se hace alusión a que Michael había vivido el último año bajo su antigua casa alimentándose de ratas).
“Halloween II” al igual que su predecesora del 2007, se sienten en general un par de filmes más perversos que las entregas pasadas, ya que Rob Zombie convierte a éste universo en un mundo oscuro, lleno de personajes bizarros, donde la violencia y la perversidad es algo que está a la orden del día, nos damos cuenta desde el diálogo de necrofilia que intercambian los dos empleados del forense cuando trasladan el cuerpo de Michael Myers, en una de las primeras secuencias de la película. Incuso Zombie, a contracorriente con las reglas ya establecidas de la franquicia, mancha la siempre heroica personalidad del Némesis de Michael Myers, el Dr. Sam Loomis. Aquí, interpretado por Malcolm McDowell, Loomis olvida toda integridad alguna y se convierte en una especie de reality-star al ser el sobreviviente estrella de la masacre de Halloween, y yendo a programas de televisión y firmas de libro para publicar su último lucro con la miseria de otros. Lo que me lleva a uno de los puntos que me disgustó un poco de la película, creo que la aparición del Dr. Loomis aquí se siente forzada ya que nunca llega a solidificarse en algo significativo, y simplemente lo vemos aquí por que él es un personaje icónico de la serie y tiene que estar presente. Al mismo tiempo, algo que siempre me estuvo molestando un poco fue el toque de surrealismo que Zombie le inyecta a la película, que para mí, fue más un pretexto para volver a darle oportunidad de actuar a su esposa, Sheri Moon, quién interpretó a Deborah Myers, la madre de Michael en la película del 2007. Aquí, a excepción de un par de flashbacks, Deborah Myers aparece vestida y maquillada de blanco como una especie de espectro que le dicta a Michael que hacer. Al parecer, Zombie se olvidó que YA hay un slasher icónico que tiene el complejo “niño de mamá” y ese es Jason Voorhees. Aquí, cada cierto tiempo tenemos visiones surreales de la madre de Michael junto el pequeño Michael vestido de payaso (ahora interpretado aquí por Chase Vanek, sustituyendo al más efectivo Daeg Faerch). Éstas “visiones” sacaron a la película del ritmo que tenía y la verdad se volvieron un poco tediosas mientras más avanzaba la historia. Además, otra cosa que también debería de haber sido diferente fue el uso particular en un momento de la película del trillado pretexto “era un sueño” ya que la secuencia que precedía a esa salida fácil fue una bastante efectiva y algo terrorífica.
Los asesinatos aquí fueron brutales, tal vez no TAN gráficos como yo me los esperaba pero sinceramente Zombie no se pone tímido al mostrar la sangre y el gore, y aunque algunos de los asesinatos fueron filmados de maneras truculentas y algo sugerentes, la manera en que Zombie los retrata hace que sean más brutales que cualquier asesinato en la franquicia. Además vale mucho la pena el notar que Michael ahora hace sonidos guturales cuando mata a alguien y eso le agrega muchísima más tensión y horror al suceso, eso definitivamente fue un punto a favor. En cuanto a las actuaciones, Scout Taylor-Compton nunca me terminó de convencer por completo como Laurie, aunque en la primera película hace lo que tiene que hacer, aquí su Laurie fue bastante diferente y en algunos momentos resulta hasta irritante. Malcolm McDowell, aunque su presencia resulta un poco forzada en la película tiene éxito en convertir a Sam Loomis en un hombre algo consumido por la avaricia y el reconocimiento público. Brad Dourif es un Sheriff Brackett excelente, creíble y bien actuado. Danielle Harris tiene poco tiempo en pantalla pero interpreta mucho más sobriamente a una sobreviviente que Taylor-Compton y su algo exagerada Laurie Strode.
En fín, “Halloween II” podría ser una de las películas de la franquicia más ambiciosas y en algunos momentos tiene éxito en conseguir diferenciarse de las demás, pero algunas decisiones mal hechas hacen perder intensidad y ritmo en la historia, pero aún así creo que es una fallida pero intersante entrada en la multifacética historia de Michael Myers.
El filme nos sitúa en los Estados Unidos, post plaga zombie, un país recién acabado por su misma población convertida en caníbales iracundos. Así conocemos a nuestro narrador, al que le llamaremos Columbus (Jesse Eisenberg) un joven universitario no muy valiente, quién debido a su extrema cautela y su lista personal de ‘reglas’ ha podido sobrevivir el Apocalipsis zombie. Así, Columbus conoce a un hombre al que le llamaremos Tallahassee (Woody Harrelson) un tipo sin nada que perder que parece disfrutar del hecho de que el país esté desolado y su hobby sea matar zombies y buscar twinkies. Ambos deciden mantenerse juntos para cada quién viajar a su destino cuando conocen a dos chicas, la bella Wichita (Emma Stone) y su hermana de 12 años, Little Rock (Abigail Breslin). Ahora éstos cuatro ‘no-zombies’ tendrán que formar una desalineada alianza para poder cada quién logar lo que buscan en un mundo donde todas las personas son más bien, ya no personas sino… zombies.
“Zombieland” no se empeña en explicar el porque de la plaga zombie, sino que lo toma como una plataforma para poder analizar y parodiar al género de una manera muy efectiva. Unas cortas líneas de diálogo explican un poco el surgimiento de la plaga, pero eso no es relevante en la historia. El guión de Reese y Wernick es una especie de guiño-guiño al género en sí, así como lo hizo con éxito Kevin Williamson al género slasher con su “Scream” en 1996. Al igual que en esa película, “Zombieland” nos presenta durante su metraje, una serie de ‘reglas’ que uno tiene que seguir para poder sobrevivir en un mundo infestado de zombies. Pero al contrario de “Scream”, “Zombieland” incorpora muchísimo más la comedia en su libreto sin dejar que el drama o la ‘seriedad’ tomen control de la historia, y lo bueno es que eso funciona para bien. El filme es un completo paquete de diversión, empezando con el hecho de que tiene su nivel respetable de gore y sangre, ya que se muestran muchos zombies siendo destruidos de maneras diversas y eso es parte del llamativo de la película. Pero, lo importante del filme y lo que lo hace especial, es que más que por ver carnicería zombie, “Zombieland” atrae por la relación de sus personajes, y la carisma de los mismos. Estos personajes son personas que nos importan y podemos irnos con ellos en ésta aventura sin que ninguno nos irrite ni nada por el estilo, se sienten espontáneos y reales, claro siempre ayudados por el diálogo pop-referencial de los guionistas.
Gran parte de la efectividad de la película recae en las carismáticas actuaciones de los actores, empezando por claro, el narrador, interpretado por Jesse Eisenberg, que aunque es un actor que disfruto y todo lo demás, siempre me distrae el hecho de que siempre me recuerda al actor Michael Cera en la manera en que se comporta, y viceversa, pero fuera de eso, Eisenberg entrega un papel típico de él pero bastante acorde aquí para la historia. Woody Harrelson, un actor que para mí nunca se ha dado mucho a notar interpreta a un badass bastante memorable, experto en matar zombies (y un dato interesante, es que aún con su larga carrera, 
Los efectos especiales fueron correctos, el gore bastante decente, la acción muy divertida y la verdad las actuaciones fueron bastante bien logradas que le dieron un toque bastante humano a la historia, y eso fue lo que hace a “Zombieland” una película muy memorable, y una de las mejores horror comedies que me ha tocado ver. Pocas veces se puede obtener éste buen equilibrio entre elementos del cine de terror con una comedia saludable de humor negro que encaje de manera natural. Muy recomendable, sin duda.
Tarde, pero seguro. Una de las películas que más esperaba de éste 2009 finalmente llegó a las pantallas de cine de mi ciudad. Llegó a México hace un rato ya, pero había tardado (lo que se sintió como una eternidad) en llegar a los cines locales porque yo la esperaba con bastantes ansias. El filme, es “Inglourious Basterds” con su traducción literal, “Bastardos Sin Gloria” como su título en México para mi sorpresa, ya que usualmente se encargan de cambiarle el nombre a las películas de manera casi siempre nefasta. Pero bueno, “Inglourious Basterds” es la película más nueva del muy aclamado Quentin Tarantino, cineasta cuya filmografía estoy seguro que no se necesita repetir porque la mayoría de las personas, cinéfilas o no, conoce al menos dos títulos del director así que la estampa Tarantino habla por sí sola. Recuerdo haber leído que el director Estadounidense tenía en mente ésta película desde hace bastante tiempo solamente que no podía contener el montón de páginas que había escrito de “Inglourious Basterds” en una película con 2 horas o 2 horas y media de duración. Pues, finalmente lo hizo, terminando con un corte de 152 minutos Tarantino finalmente lanzó “Inglourious Basterds” como su 6ta película dirigida por él y con un guión de su autoría (bueno sin contar “Jackie Brown” que Tarantino adaptó de una novela de Elmore Leonard). El filme, toma prestado el título de un filme llamado “The Inglorious Bastards” de 1978 dirigido por Enzo G. Castellari, y dicha película es considerada (ahora con la ayuda de la popularidad que le brindó Tarantino) como el máximo exponente del subgénero conocido como Macaroni Combat, que como el Spaghetti Western con, bueno, los Westerns, el Macaroni Combat es el género de películas de guerra que eran usualmente dirigidas y producidas por Italianos. Tarantino siendo fan de éste género, al igual que muchos otros decidió homenajearlo como el acostumbra con éste filme del 2009 “Inglourious Basterds” escribiendo el título en inglés de forma incorrecta para que se vea más hardcore y diferenciarla del filme original o algo así me imagino, aunque yo nunca estuve muy de acuerdo con que el título oficial estuviera mal escrito.
Para mí, “Inglourious Basterds” representaba una esperanza de que Quentin Tarantino, naturalmente uno de mis directores favoritos, se reivindicara un poco después de que a mis ojos falló de manera bastante fuerte con su último intento que prometía mucho, “Death Proof” (A Prueba de Muerte, en México) su homenaje al cine Grindhouse y de exploitation que fue parte de la dupla cinematográfica lanzada con ese título acompañando a “Planet Terror” (Planeta Terror, en México) de Robert Rodriguez en el 2007. “Death Proof” tuvo cosas muy rescatables y claro, está algo lejos de ser un desperdicio total, pero para mí sin duda alguna es la peor película de Tarantino, con personajes irritantes, mal actuados y muy forzados (Kurt Russell aquí es la excepción). Para mí, con “Kill Bill” (Kill Bill: La Venganza, en México), el homenaje a Tarantino al cine de kung-fu que tanto le gusta entre otros subgéneros, el cineasta se empezó a crecer demasiado auto proclamándose el rey geek cinematográfico (que si lo es) y el hombre que hace lo que quiere y termina siendo una película buena y exitosa (que con “Death Proof” no ocurrió, para nada). Con ese aire de grandeza, Tarantino lanzó su propuesta de homenaje Grindhouse con “Death Proof” y parece que lo hizo sin imaginarse una audiencia, porque sus muy aclamados diálogos suenan forzados, nada interesantes y su elenco en su mayoría (de nuevo, excepto Russell) fue atroz. Pero esa es otra historia. El punto es que “Inglourious Basterds” prometía mucho para mí, ¿vivió a la altura de mis expectativas personales?
El filme nos sitúa en, como todos debemos de saber, la Segunda Guerra Mundial, cuando Francia estaba siendo ocupada por los Nazis. Las fuerzas Alemanas en Francia son lideradas por el Coronel Hans Landa (Christoph Waltz) apodado “El Cazador de Judíos” quién es un experto en encontrar hasta el último judío escondido en Francia. Mientras que una vez, una joven judía se escapó de su captura y así Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) se esconde con una falsa identidad siendo la dueña de un cinema donde los Nazis pretenden ser anfitriones de una proyección de una película de propaganda Alemana, proyectada ante todo el alto mando del partido Nazi. Al mismo tiempo, hay una unidad de soldados Estadounidenses apodados “Los Bastardos” y liderados por el Teniente Aldo Raine (Brad Pitt) que se encuentra en Francia, tras líneas enemigas con la misión de matar todos los nazis que puedan y con la proyección de la película, van a tener muchos Nazis importantes en un mismo lugar.
“Inglorious Basterds” fue una película que me sorprendió en el hecho de que al principio yo me espera un filme mucho más al estilo frenético y de acción como lo fue “Kill Bill” mientras que el filme es mucho más teatral y con diálogo como su motor principal, siendo así un producto mucho más en la vena de “Pulp Fiction” (Tiempos Violentos, en México) claro, yendo al cine tenía en mente que así iba a hacer por muchas reseñas que me tocó leer antes de verla, pero éste fue un aspecto que no tenía en mente al saber de la película. No lo digo como algo malo, si no como una observación interesante. En “Inglourious Basterds” la acción y la violencia vienen en segundo lugar, después del peso de los personajes, diálogo y actuación. Pero, definitivamente el filme si tiene más de un par de escenas interesantes de tiroteos y violencia gráfica que viene a cambiar de tono varias secuencias que comienzan siendo fuertes en intercambio de diálogos y de tensión. Eso para mí fue una de las cualidades más fuertes de la película, ya que Tarantino y los actores encuentran la manera adecuada de ir subiendo la tensión en una escena de diálogo y aunque para muchos esto haya parecido como que alargó varias escenas de más, ese fue el detalle que hizo que funcionaran tan bien, como la secuencia con la que abre la película con el magnífico Christoph Waltz robándose el show de manera extraordinaria.
De hecho, la mayoría del elenco funcionó de manera completamente satisfactoria, desde los actores que tuvieron personajes más protagónicos hasta los que aparecieron en una sola escena. Comenzamos con Waltz, quién interpreta al Coronel Landa que fue un delicioso villano que quedará recordado en el ámbito cinematográfico sin duda, con una carisma siniestra bastante interesante. Claro que tenemos que mencionar a Brad Pitt que fue también un elemento tremendo de la película con su héroe rústico Aldo Raine. El resto de “Los Bastardos” funcionaron de manera bien entregada, como Til Schweiger quién interpreta a Hugo Stiglitz, no tiene muchas líneas pero su personaje fue memorable y me hubiera gustado más escenas con él, B.J. Novak interpreta a Smithson Utivich que también dio una actuación sobria y bien hecha. El director de cine Eli Roth, compinche cinéfilo de Tarantino y responsable de escribir y dirigir filmes de horror sólidos como “Cabin Fever” (La Cabaña Sangrienta, en México) y “Hostel” (Hostal, en México) actúa aquí en el papel del Sargento Donny Donowitz y aunque Roth tuvo sus momentos, su actuación es muy exagerada y fuera de tono con las demás, y su papel debería de haber ido a alguien más, a alguien que fuera actor al menos. Michael Fassbender fue genial e intenso al igual que el Canadiense, Mike Myers en un cameo efectivo interpretando a un general Británico. Las dos mujeres principales en el elenco Mélanie Laurent y Diane Kruger (a quién usualmente no soporto) lograron dar interpretaciones notorias con personajes de peso, y claro una no se salva que sus pies sean filmados por el fetichista lente de Tarantino, como en la mayoría de sus películas. También cabe mencionar a la aparición que hace Martin Wuttke en el rol de Adolf Hitler, interpretándolo cómicamente en su papel iracundo y cliché. 
Al final, “Inglourious Basterds” es un respiro de aire fresco, ya que toma el siempre-muy-serio-y-con-justa-razón tema del Holocausto, los Nazis, la muerte de judíos, etc. y lo parodia de manera efectiva, homenajeando al Macaroni Combat, que no es un subgénero muy conocido para el público en general. Aquí Tarantino continúa tomando lo no mainstream y tratando de hacerlo mainstream como con “Grindhouse” también insertando un soundtrack multifacético y efectivo, con acordes musicales fuertes y con títulos setenteros superimpresos en la pantalla de vez en cuando para designar nombres de personajes y ese tipo de cosas. Definitivamente Tarantino se reivindica después de su tropiezo con “Death Proof” pero aún así algunas mecánicas de la película se sienten un tanto artificiales como tanta maldita charla acerca del cine Alemán y Europeo de los años 40’s y ese tipo de cosas, si, Tarantino eres un devoto cinéfilo, ya lo sabemos todos, no necesitas seguir recalcándolo. Pero al final de todo, eso es parte de su tan único estilo.
El filme comienza con dos agentes del FBI, Sam Hallaway (Bill Pullman) y Elizabeth Anderson (Julia Ormond) que viajan a una estación rural de policía para interrogar a varios testigos que tuvieron un encuentro con un par de brutales asesinos seriales en la carretera. Los testigos incluyen a la pequeña Stephanie (Ryan Simpkins), la adolescente drogadicta, Bobbi (Pell James) y el oficial de policía Jack Bennett (Kent Harper) y así observamos en la historia los diferentes puntos de vista de los acontecimientos tratando de armar quién dice la verdad y quién no, y la identidad de éste par de asesinos.
La premisa de la película, en lo personal, me sonó muy prometedora, como una especie de thriller detectivezco, psicológico y violento. Pero la verdad “Surveillance” encierra muchísimo menos sorpresas de las que uno espera. Empezando por su guión, la película da muchas vueltas a lo mismo una y otra vez, haciendo que su clímax o lo que la audiencia espera ver se retuerza sobre si mismo una y otra y otra vez. Lo que quiero decir aquí es que, a manera de alabo y crítica, la estructura de “Surveillance” no es muy fácil de marcar, ya que uno no sabe cuando está llegando al punto crítico de las cosas. Eso es algo admirable en el sentido que las cosas que ocurren en la historia toman a la audiencia con la guardia baja, pero al mismo tiempo el guión de Lynch y Harper no es tan fuerte como para soportar la mayoría de su duración de hora y media sin ver un lugar a donde la historia podría llegar a anclar. El filme simplemente es testimonio, tras testimonio (claro, cada uno con su respectivo flashback a los hechos) y la verdad lo que los personajes cuentan que hacen y ocurre no es tan interesante para empezar. Lo interesante de la película, o el desarrollo de la historia se desmenuza en los puntos de vista de los diferentes personajes pero lo que realmente importa no se devela hasta el último tramo, obviamente, pero todo el tiempo anterior la película perdió una sorprendente cantidad de tiempo en virtualmente nada interesante, o de peso para la historia.
Jennifer Lynch crea una atmósfera de incomodidad y perdición en la película que ayudó mucho a sentirse uno desesperado con la historia, pensando que su conclusión o algún giro en la trama será perverso y pervertido, interesante, fuerte, pero la verdad es que “Surveillance” es mucha promesa pero poca sustancia, y creo yo que el filme actúa y se cree, más interesante, alternativo e inteligente de lo que es. Su ‘giro’ final es totalmente predecible y el último tramo es casi en momentos ridículo con un par de tintes a escenas fuera de contexto y ‘surreales’ de la escuelita de Papá David. Las actuaciones sostienen a la película en el lugar correcto la mayoría del tiempo con entregas sólidas de un muy raro Bill Pullman además de una sobria y convincente Julia Ormond en los papeles de los agentes del FBI. Mientras que Ryan Simpkins muestra talento a su temprana edad, Pell James cumple su parte y Kent Harper logra hacer su personaje notar entregando una actuación bien marcada. Michael Ironside también se muestra aquí y como en su mayoría de papeles, funciona perfectamente.
“Surveillance” tiene un par de sorpresas gore, pero el filme no es tan ‘oscuro’, ni tan ‘violento’ ni tan ‘psicológico’ como muchos lo llaman, la verdad “Surveillance” se siente como que intenta de manera muy obvia ser todas esas cosas y en momentos roza la línea de lograrlo, pero en la mayoría de las veces se queda a medias. Y así, la película termina siendo un ejemplo interesante, y un paso en la dirección correcta para su directora Jennifer Lynch aunque el filme no es todo lo que yo pensaba y esperaba, pero sus méritos no desaparecen por ello. “Surveillance” tiene un elenco sólido con buenas actuaciones, una historia algo lenta y algo redundante pero que a fin de cuentas es interesante y mantiene a su espectador viendo. Un ejercicio interesante en la mezcla de géneros y elementos que en mi opinión, no terminó de cocinarse por completo.
La película comienza dándonos una muestra de cómo un grupo de amigos incluyendo al mujeriego Neil (Danny Dyer), a Mikey (Noel Clarke) y Graham (Emil Marwa) discuten con sus parejas porque planean irse a pasar un fin de semana entre amigos bebiendo y divirtiéndose en una pequeña villa en las afueras de Londres llamada Moodley. Todo esto es para hacerle pasar un buen rato a Vince (Stephen Graham) quién está pasando por un doloroso divorcio. Una vez llegando a Moodley, nuestros protagonistas se dan cuenta que parece que no hay nadie más en toda la localidad, o bueno, excepto mujeres, pero lo raro es que éstas mujeres no son normales. Algo ocurrió en la villa de Moodley que convirtió a todas las mujeres en una especie de zombies, un montón de iracundos, y feministas caníbales determinadas a devorar a cualquier hombre que se cruce en su camino.
Claro, a mí el concepto de “Doghouse” me sonó bastante casposo y por lo mismo interesante, además de que las escenas en el trailer hacían ver a la película como un ejercicio de horror comedia bastante entretenido. ¿Entonces fue cierto? En parte sí y en parte no. A mí no me gusta ser moralista cuando califico a las películas y me gusta tomarlas por lo que son, entretenimiento, y no me voy a poner a llamar a la película como un producto “misógino” y que “denigra a las mujeres” aunque en parte, debo de admitir que pone al sexo femenino en una luz bastante humillante, aunque claro, me imagino que todo es en sana diversión. Pero, ser “misógina” y “denigrante a las mujeres” no es el problema mayor que sufre “Doghouse”, eso lo podemos dejar de lado. El problema mayor que yo consideré es que la verdad el filme no combina bien sus elementos de horror, los de comedia, y sus intentos de drama resultando en un producto que la verdad no es tan entretenido como uno piensa al principio.
Jake West dirige una película divertida en el sentido que, algunos de los protagonistas logran levantar la cinta de manera sólida como lo hicieron en parte Danny Dyer, y el muy buen actor Stephen Graham que es bienvenido en casi cada papel que toma. Ellos hacen que los diálogos muchas veces ridículos tomen forma y suenen de cierta manera correctos y hasta causen risa. Aunque el resto del elenco haya sido deficiente en su mayoría comenzando por el muy, pero muy forzado Noel Clarke, y continuando con Lee Ingleby que su personaje Matt fue un auténtico cliché aunque el actor intentó lo que pudo por hacerlo carismático y memorable. “Doghouse” comienza rápidamente a meterse en su historia y sus elementos de horror ya que la sangre empieza a brotar y las persecuciones a ocurrir cuando el filme lleva alrededor de 20 minutos, tiempo que usa en presentar a sus personajes de maneras bastante ridículas. El filme es violento, característica que es notable en Jake West ya que su “Evil Aliens” (que aún no he visto) es extremadamente gore y casposo. El guión de Dan Schaffer es como una B-Movie, que no tiene nada de malo pero los aspectos un poco más realistas y el tono de la película choca mucho, creo yo, con los elementos casposos e irreales que maneja la película y la verdad, su violencia y gore no es tan inventivo, gráfico ni memorable como para considerarla una exploitation para recordar o que ese fuera su gancho para verla.
“Doghouse” simplemente es, el filme no es del todo malo, claro, tiene un par de buenos gags, un par de escenas gore divertidas, y una trama bastante “políticamente incorrecta” como le llaman y un concepto que llama la atención. Lo que pasó es que a mi me parece que la ejecución de “Doghouse” se quedó a medias, tratando de revindicar a sus personajes y su “odio por las mujeres” en ciertos sentidos. El filme no siguió una línea de horror, comedia, suspenso o drama de manera derecha, bifurcándose a cada rato y haciendo que el filme pierda un tono, una identidad y haciendo que muchas de los diferentes aspectos del filme choquen y no tengan armonía. Eso es lo que se busca en las comedias de horror, una mezcla de géneros que en teorías son “opuestos” pero dada la química correcta pueden converger de manera muy entretenida. Esperemos que más intenta Inglaterra en éste rubro, siempre es interesante estar a la expectativa. En cuanto a “Doghouse”, puede ser una opción para pasar el rato si se es fan del género, si no, creo que no. 
Antes que nada, intentaremos resumir un poco su ‘trama’ por así llamarla. “Trick ‘r Treat” es ambientada en un pequeño pueblo de Ohio, en la noche de Halloween, y el filme nos cuenta cuatro historias que se entrelazan en ciertos puntos. Una es sobre un director de escuela (Dylan Baker) que tiene una vida secreta como asesino serial, otra cuenta la historia de una virginal adolescente (Anna Paquin) en busca de su hombre ideal para su primera vez. También la de un grupo de jóvenes que juegan una muy mala broma, y la historia de un ermitaño que odia el Halloween (Brian Cox) pero poco se imagina que le costará caro.
El filme “Trick ‘r Treat” como mencioné, es un filme de horror de antología, siendo que cuenta varias historias en una sola película, pero a diferencia de otros filmes de éste tipo como la ya citada “Creepshow”, “Trick ‘r Treat” no se limita a separarlas por secciones o tener algo que se le llama wrap-around story osea una historia que da pie a que las otras historias se cuenten (como un montón de chicos en una fogata, o dispositivos similares) “Trick ‘r Treat” cuenta éstas historias como si realmente estuvieran pasando, todas al mismo tiempo más o menos y mezclando personajes por aquí y por allá, pero aún así permitiéndole a la audiencia diferenciar una narración de la otra. Diré desde ahora que aunque “Trick ‘r Treat” no es un filme perfecto, simplemente es un esfuerzo muchísimo más apreciado y original que muchas de las películas de horror que han salido en los últimos años, digo, los remakes no me molestan tanto como a otros, pero la verdad que otra cosa sería si tuviéramos productos como éstos más seguido. Michael Dougherty dirige de manera segura, y la estética de la película fue simplemente genial, desde el comienzo con la secuencia de créditos en forma de comic, y durante todo su metraje, el filme para mí, fue impecable visualmente.
Mientras que “Trick ‘r Treat” no es para niños, ya que tiene referencias sexuales y algo de violencia gráfica aunque no muy excedida en el gore, a mi me recordó (especialmente con el segmento que involucra a aquellos pre-adolescentes) a episodios de series televisivas como “Are You Afraid of the Dark?” (¿Le Temes a la Oscuridad?, en México) o “Goosebumps” (Escalofríos, en México) que me encantaba ver cuando estaba más joven, y esto no lo digo como queja, sino que sentí una nostalgia muy acogedora. En el aspecto actoral, el elenco principal trabaja bien, empezando con Dylan Baker que hace tiempo que no lo veía en pantalla tiene un papel interesante como el director escolar/asesino serial. Anna Paquin hace lo que tiene que hacer como la clásica “chica virginal” (y hasta se llama Laurie, ¿haciendo alusión al personaje clásico de “Halloween” de John Carpenter?) y tenemos a un Brian Cox maquillado con prostéticos para hacerlo ver aún más como un viejo cascarrabias. Éstas para mí, fueron las caras conocidas, además de Leslie Bibb que tiene un papel bastante reducido aquí. También destacamos al pequño y tenebroso Quinn Lord que interpreta al que está fichado como “Sam” que es el pequeño ser disfrazado con un saco en la cabeza con botones como ojos que agracia el poster del filme.
En general, puedo decir que necesitamos más películas como “Trick ‘r Treat”, esas películas de horror que te recuerdan a los clásicos, esas películas de horror originales que te entretienen de manera diferente por no tener ningún referente a su historia. El filme tiene un buen elenco, un buen libreto, buena dirección y estética y varios giros en su trama que fueron, claro, lo que le dio sabor a las historias que se contaron, porque a fin de cuentas, ¿Qué es una película de antología sin giros en su trama? Sin duda alguna, éste es un clásico en potencia, una de esas películas que estoy seguro de poner en mi lista de recomendaciones para ver en épocas de Halloween. Un vistazo muy bien merecido.
Primero que nada la premisa nos sitúa en un futuro no especificado, y durante los créditos iniciales de la película se nos va explicando con forma de clips de noticias y entrevistas como la humanidad a perfeccionado tanto la robótica como para crear robots controlados por los pensamientos. Así, una corporación crea los “surrogates” o “sustitutos” una versión robot de uno mismo que permite vivir la vida de una manera más libre y sin miedos, además de poder crear una imagen física de uno mismo diferente a la que nos tocó al nacer. Cuando una persona real, u “operador” es asesinado a través de su sustituto, la promesa de vivir la vida sin miedos se encuentra en juego, ya que la persona sufre el peligro de morir aún controlando su robot sustituto. Ahí es donde entra el agente del FBI, Tom Greer (Bruce Willis) y su compañera Jennifer Peters (Radha Mitchell) para investigar el asesinato. Después de que Greer se desconecta de su sustituto y decide tomar el caso en carne propia, descubre una conspiración que involucra al creador de los sustitutos, el Dr. Lionel Canter (James Cromwell) y al líder del movimiento anti-sustitutos simplemente conocido como “El Profeta” (Ving Rhames).
“Surrogates” es una película que inmediatamente te recuerda a otra con una estética y premisa bastante similar, claro, por los que no se hayan dado cuenta desde que vieron el trailer, me refiero a la película de acción ciencia ficción del 2004, “I, Robot” (Yo, Robot, en México) dirigida por Alex Proyas. A mí, “I, Robot” me pareció una película bastante interesante, y como digo, es muchísimo muy parecida a “Surrogates” en cuanto a que para empezar, tratan con robots, tienen al mismo actor (James Cromwell) en el papel del creador de esos mismos robots, son encabezadas por una superestrella y su historia gira alrededor de un misterioso asesinato. La diferencia entre “I, Robot” y “Surrogates” es que “I, Robot” tenía un mejor equilibrio entre su narrativa y la acción visual. Creo que “Surrogates” cojea un poco en el segundo departamento, claro, el filme tiene una premisa excepcional y la verdad me llamó mucho la atención cuando supe de lo que se iba a tratar, pero a fin de cuentas creo que su esqueleto de thiller rutinario de conspiración terminó aplastando el par de escenas de acción medianamente entretenidas que tiene.
Digo, Jonathan Mostow es un director que sin duda alguna sabe dirigir acción, autos chocando, cosas que explotan, etc. pero a fin de cuentas no invertimos tanto en los personajes como para hacer que sea algo más que una escena de acción cualquiera. Además de que la estructura de las mismas no me emocionarion tanto como otras películas algo vacías que tienen escenas de acción tremendas. En “Surrogates” básicamente las secuencias de acción se reducen a dos, la primera es una persecución a pie, del sustituto del personaje de Bruce Willis persiguiendo a otro, y la segunda, es una persecución del personaje de Bruce Willis persiguiendo en automóvil al sustituto de otro personaje que va a pie, pero dado que es un robot salta muy alto y corre muy rápido y todo eso. Espero haberme explicado. Lo que quiero decir es que “Surrogates” es un filme futurista estéticamente muy bien confeccionado y su premisa es sin duda interesante, pero le faltó acción para completar un paquete divertido en todos los aspectos.
En el aspecto actoral, Bruce Willis es uno de mis actores favoritos que posee una carisma innegable, y la verdad, aunque el papel le quede algo chico, Willis se las ingenia para poder inyectarle un humor negro por aquí y por allá y por hacerlo un héroe medianamente rescatable, aunque la verdad le faltó mucho a su personaje. No se si está más definido en la novela gráfica. Radha Mitchell estuvo genérica, normal, cumple son lo suyo. Rosamund Pike entrega un papel un poco más “emotivo” de lo que pensé y su acento Estadounidense funciona muchísimo mejor aquí que en “Doom”, bien por eso. James Cromwell tiene un muy limitado tiempo en pantalla, mientras que Ving Rhames causa algo de risa en el papel del hippie-gurú-profeta con rastas en el cabello. En fin, “Surrogates” no es una película del todo efectiva, ya que le falta algo de chispa en el departamento de la acción, y el filme visita lugares algo explorados en términos de historia y estética (parece un extraño cruce entre "I, Robot" y "The 6th Day")pero aún así Bruce Willis es un protagonista efectivo y el filme no es para nada una mala opción para divertirse durante una hora y media una tarde lenta. Un paquete de acción ciencia ficción light para disfrutarse sin muchas expectativas. 
A veces ser seguidor del género del horror puede ser algo doloroso, digo, en éste hermoso género hay muchísimas cintas tremendas, pero también hay mucha basura, y mucha de esa basura tiene que pasar por el filtro personal para poder pues, discernir las que te gustan y las que no te gustan. Algunas se ven tan malas que no te llaman la atención, otras tan malas que te encienden la chispa de la curiosidad, esto me pasó con la película de la que hablo hoy. Fui al cine a ver el slasher remake, “Sorority Row”, (Secreto de Sangre, en México) la nueva versión de un slasher no muy conocido del año 1983 “The House on Sorority Row”, digo ‘no muy conocido’ porque no se cuenta siempre dentro de los grandes slashers con un genial antagonista, pero entre el género del horror si es una película que se menciona, al menos al hablar de su subgénero, el slasher. En lo personal yo nunca vi “The House on Sorority Row” pero cuando vi el trailer de su nueva versión 2009, “Sorority Row” el morbo de ir a ver lo mala que era me movió a ir a echarle un vistazo. Fue más o menos exactamente lo que me esperaba. El remake del 2009 es dirigido por Stewart Hendler, un director no muy experimentado del cuál no había oído nada hasta el momento que oí de éste remake. El guión actualizado corre de la mano de Josh Stolberg y Pete Goldfinger, basados claro, en el libreto original de Mark Rosman llamado “Seven Sisters”. Con un director desconocido, al igual que un par de guionistas no muy experimentados en el género del horror, un elenco absolutamente horrible y con una premisa casposa, “Sorority Row” pintaba para ser un paquete de diversión inigualablemente infumable, esas películas “so-bad-it’s-good”.
Claro, como mencioné al principio, yo esperaba que “Sorority Row” fuera una mala película, digo, todos los indicadores estaban ahí. Pero no se porque yo esperaba una película un poco más mala-leche, me refiero a más chicas desnudas, más asesinatos y principalmente más sangrientos y 
Mientras que la película tuvo tal vez un par de asesinatos interesantes, la mayoría de la película se reduce a muertes aburridas, demasiado secas y ya muy vistas y su muy pregonada desnudez son escenas breves de universitarias en un baño comunal. No hay sexo, no hay gore, no hay nada para elevar un poco a “Sorority Row” al menos en una especie de nivel exploitation o video-nasty. El elemento del arma asesina fue interesante, esa cruceta con punta de flecha, cuchillo, etc. fue algo de lo más memorable de la película y que lástima que no se usó más. En términos actorales, el filme es sin exagerar mucho, de lo peor. Briana Evigan encabeza el elenco como la víctima principal y sensata que siempre sabe “que algo está mal” y la chica ruda en turno. Leah Pipes estuvo semiefectiva en su papel de la uber-bitch, Jessica, la clásica chica popular sin alma. Rumer Willis, hija de Bruce Willis y Demi Moore interpreta a la chica nerd aquí luciendo un par de anteojos para decirnos que es estudiosa. Horrendo papel. Audrina Patridge de “The Hills” tiene un papel sumamente mínimo aquí y aún así nos damos cuenta que es horrible para actuar. A fin de cuentas, el elenco juvenil femenino de "Sorority Row" termina siendo uno de los ensambles más irritantes en el universo slasher, y quería la dolorosa muerte de cada una de ellas. También tenemos a Julian Morris, a quién recordamos como el joven Británico de la película “Cry_Wolf” (La Próxima Víctima, en México) y claro, a la mismísima Princesa Leia, Carrie Fisher interpretando a la Madre de la fraternidad, la Sra. Crenshaw en un pequeño papel que se cumple bien.
Al fin de cuentas “Sorority Row” fue un mal slasher, y no un mal slasher en el sentido que es bueno para rentarlo con tus amigos y disfrutarlo, sino que es simplemente malo, casi no hay nada bueno del filme, y las cosas que son al menos decentes no son los suficientes para ponerlas en la balanza y que al menos hagan un contrapeso con lo malo. El filme es un slasher rutinario, seco, blando y hasta aburrido en veces, pero algo que si rescaté de él, es que como mencioné,